Radio Mezcalito is exciting classic rock online

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¡Hola, bienvenida(o)! Escucha el más excitante pop y rock clásico en línea. RADIO MEZCALITO es una estación de radio que transmite vía Internet -las 24 horas del día, 7 días a la semana sin parar- el más electrificante Rock de Alto Alcance Para Amenizar Tu Día. Artistas como Beatles, Rolling Stones, Who, Kinks, Doors, Creedence, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Kiss, Sex Pistols, Ramones, The Police, U2, R.E.M., Eric Clapton, Elton John, David Bowie, Billy Joel, Radiohead, Nirvana, Metallica y varios más forman parte en la programación habitual de RADIO MEZCALITO. Para escuchar la música que en este momento transmite la emisora, elige alguna de las varias opciones mostradas en la columna derecha de ésta página WEB.

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sábado, 16 de julio de 2016

Green River, el álbum con alma de apocalipsis.


Estimable radioescucha: escucha canciones de Creedence Clearwater Revival en Radio Mezcalito. Cuando la banda de El Cerrito, California entró de nuevo a los estudios de Fantasy Records para grabar su tercer disco de larga duración, no imaginó que les tomaría 3 meses acabarlo. John Fogerty estaba en el pináculo de su creatividad y lo demostró a lo largo del álbum con música que proyecta dinámica energía. Para alcanzar su objetivo, Fogerty y compañía echaron mano del rhythm and blues, la música country y el rockabilly que evoca la era dorada de Sun Records, como marco musical idóneo para piezas como Bad Moon Rising, Commotion, Cross-Tie Walker y Sinester Purpose. Las letras de las canciones son sencillas y directas, sin rebuscadas metáforas ni pretenciosa monserga intelectualoide. El mérito de Fogerty y los suyos consiste en no repetirse a si mismos en cada disco sino intentar cosas diferentes, conservando al mismo tiempo su sello personal y sonido distintivo. Hasta ese momento su más grande éxito había sido Proud Mary del álbum Bayou Country, pero la banda tomó la decisión correcta lanzando como siguiente sencillo un tema muy diferente llamado Green River, pieza memorable que da nombre al fonograma, en el que Fogerty rinde un homenaje al sonido Memphis de Sun Records, El líder de la banda se inspiró en un lugar al que solía ir de vacaciones cuando era niño en Putah Creek, cerca de Winters, California. En ese sitio campestre había libélulas y ranas así como una cabaña que al parecer pertenecía a un descendiente del legendario Buffalo Bill. También existía una fuente de sodas, donde servían en botellas deliciosos jarabes de diferentes sabores. De pequeño a Fogerty le gustaba el jarabe sabor lima que al ser vertido en un vaso con hielo daba la impresión de convertirse en un majestuoso río verde. La música a lo largo del álbum es una abierta invitación a olvidarse de estrafalarios viajes ácidos y extravaganzas sicodélicas, y en vez de ello retomar las auténticas raíces que hicieron del rocanrol el sonido más vibrante del siglo XX. En contraste, las letras de las canciones reflejan nostalgia, hastío, ira y temor. Por ejemplo, en Bad Moon Rising el autor parece describir con desenfado un sombrío apocalipsis. "Espero que ya tengas listas todas tus cosas, espero que estés preparado para morir". En la balada Lodi, el compositor imagina que en el ocaso de su carrera artística terminará cantando para gente indiferente en pueblos de mala muerte. Por otro lado, en la subestimada melodía Wrote A Song For Everyone, los recuerdos y los presagios vuelven a ser desoladores: "Vi gente de pie, encadenada desde hace siglos. Alguien dijo que ahora todo es diferente. Si te fijas bien, las cosas siguen igual". Continuando la tradición de incluir canciones de otros compositores, para cerrar el disco fue agregada la pieza The Night Time Is The Right Time, obra del genio Ray Charles. Una vez finalizada la grabación de todas las rolas, John Fogerty, literalmente echó del estudio a los demás miembros del grupo para mezclar el audio y obtener el producto final. El resto de la banda encabezada por Tom Fogerty protestó al escuchar el resultado. Argumentaron que sus instrumentos no se escuchaban con la fuerza suficiente. El bajista Stu Cook opinó que las cintas demo sonaban mucho mejor, pero que al final la culpa era de ellos mismos por dejar que John Fogerty se encargara de todo. Sin embargo, el público no opinó lo mismo. Publicado el 3 de agosto de 1969, el fonograma no tardó en alcanzar la posición número 1 en las listas Billboard. En México, el disco fue editado primero por el sello Musart en complicidad con Liberty (F-8393). Green River alcanzó tal popularidad en tierras aztecas que fue reeditado una y otra vez durante los años 70 y 80 del siglo XX, por otras marcas como EMI Capitol y Golondrina. Gracias a su habilidad para permanecer energética y vibrante, la música de Creedence Clearwater Revival ha superado con facilidad la decisiva prueba del espacio-tiempo. Muchas gracias por escuchar Radio Mezcalito. Un saludo afectuoso.
Copyright © Andrés Lang

Ficha técnica del disco Green River
Portada del disco 8393
Contraportada del disco 8393
Título del disco: Green River
Artista: Creedence Clearwater Revival
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 28 min 47 seg
Fecha de lanzamiento: 3 de Agosto 1969
País: Estado Unidos
Productor: John C. Fogerty
Ingeniero de audio: Russ Gary
Sello disquero: Fantasy
Género: Rock
Estilo: Country-Rock, Rock And Roll
Posición en lista de éxitos: N°1 en EUA / N°20 en UK
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Green River John Fogerty Creedence Clearwater Revival 2:36
2A Commotion John Fogerty Creedence Clearwater Revival 2:44
3A Tombstone Shadow John Fogerty Creedence Clearwater Revival 3:39
4A Wrote a Song For Everyone John Fogerty Creedence Clearwater Revival 4:57
1B Bad Moon Rising John Fogerty Creedence Clearwater Revival 2:21
2B Lodie John Fogerty Creedence Clearwater Revival 3:13
3B Cross-Tie Walker John Fogerty Creedence Clearwater Revival 3:20
4B Sinister Purpose John Fogerty Creedence Clearwater Revival 3:22
5B The Night Time Is The Right Time Napoleon Brown - Ozzie Cadena - Lew Herman Creedence Clearwater Revival 3:08
Artistas participantes.
John Fogerty – Guitarra eléctrica y voz principal
Tom Fogerty – Guitarra eléctrica y voz
Stu Cook – Bajo eléctrico y coros
Doug Clifford – Batería y coros

Créditos del disco.
Estudio de grabación: Wally Heider Studio, San Francisco, California
Fecha de grabación: Marzo a Junio de 1969
Fotografía de portada– Basul Parik.
Fotografía de contraportada - Basul Parik.

martes, 10 de mayo de 2016

La situación actual de Radio Mezcalito y su eliminación de TuneIn

Estimable radioescucha: le informamos que Radio Mezcalito ha sido eliminada de TuneIn por mandato de Sony Music Entertainment y ya no hay manera de que en ese sitio usted pueda escuchar la música que transmite la emisora. Le ofrecemos disculpas por los inconvenientes pero también nos permitimos ofrecerle otras opciones con las que cuenta la estación para que pueda seguir disfrutando la programación musical de la estación. Por ejemplo, en el blog de Radio Mezcalito, en la columna derecha hay varios reproductores de audio con los que puede seguir disfrutando la música que transmite la estación, incluyendo el reproductor principal que tiene el aspecto a continuación mostrado.



En cuanto a la repentina ausencia de Radio Mezcalito en TuneIn, la historia es larga. Radio Mezcalito es una emisora sin fines de lucro, creada gracias a las herramientas gratuitas que el sistema Radionomy a puesto a disposición de productores independientes. La empresa Radionomy que existe desde el año 2007 se encarga de pagar los derechos de autor y regalías de toda la música que transmite la estación, a cambio de que el creador de la emisora pueda lograr que su estación de radio sea escuchada cierta cantidad de horas al día. Radio Mezcalito ha podido sobrevivir gracias a los amables radioescuchas que alrededor del mundo escuchan y disfrutan la música de rock que transmite la estación, sumando varias horas de audiencia continua al día. Así como lo ha logrado Radio Mezcalito, otras emisoras independientes han ganado gran popularidad y audiencia desde hace tiempo porque ofrecen un contenido fresco, innovador, original y diferente, rivalizando seriamente con las emisoras terrestres convencionales. El triunfo de las emisoras independientes bajo el sistema Radionomy está preocupando a los dueños de emisoras terrestres convencionales y a quienes están involucrados en los negocios de reproducción de música en línea como Spotify o Pandora, por citar algunos ejemplos, pues han visto frenado su voraz crecimiento como jugoso negocio lucrativo. 

Las personas que son accionistas en el negocio de las estaciones terrestres y en servicios de reproducción de música en línea, también tienen participaciones dentro de la industria musical y son socios de los más grandes sellos discográficos como Sony Music, Warner Music y Universal Music Group. Paulatinamente, estas tres empresas han absorbido a casas grabadores y compañías editoras de música, adueñándose entre las tres de los derechos de propiedad intelectual del 85% de la música producida en el planeta, dejando el 15% restante a sellos disqueros independientes. En el año 2012 la Comisión Europea permitió que Sony Music comprara el catálogo de grabaciones de EMI, y en consecuencia, la primera adquirió un poder inmenso, que le ha permitido diseñar estrategias para monopolizar el mercado de la música online. El monopolio de la industria disquera, solapado por entes reguladores como la llamada Comisión Europea, tiene consecuencias negativas para el consumidor final, por ejemplo, menor cantidad de opciones para elegir, servicios de menor calidad y a alto precio. Al haber acaparado una gran cantidad de derechos de propiedad intelectual en el terreno de la música, Sony tiene la capacidad de fijar altos precios por conceptos de regalías a las emisoras de radio, ya sean independientes o no.

La posición de las radiodifusoras que transmiten en forma independiente via internet es vulnerable porque no son tratadas con las mismas consideraciones o en igualdad de condiciones en comparación con las estaciones terrestres convencionales. En Estados Unidos, por citar un ejemplo, las estaciones terrestres no pagan regalías a las disqueras por conceptos de derechos de transmisión de la música. Esto se debe a la hábil labor de cabildeo que desde los años 40s del siglo XX han llevado a cabo los magnates de la radio y la televisión en el Congreso de esa nación. Las emisoras terrestres han obtenido la aprobación de leyes que los han librado de tener que pagar regalías a quienes poseen los derechos de propiedad intelectual de la música que transmiten, a cambio de conceder espacios de promoción a artistas de las compañías disqueras, y concediendo otras facilidades, Otros países en donde las emisoras terrestres no pagan regalías a músicos y casas disqueras por transmitir su música, son China, Irán, Corea del Norte, entre otros. Ese tipo de concesiones no existe para las emisoras independientes cuya vía de transmisión es únicamente por internet. Por el contrario, para compensar la ausencia de importantes ingresos monetarios que debería provenir de las estaciones terrestres en Estados Unidos, los dueños de los derechos de explotación de la música grabada establecen cuotas exageradamente altas a las emisoras independientes que transmiten por internet.

Aunque las disqueras siempre se han defendido argumentando que parte del dinero recaudado va a parar a los bolsillos de los artistas y compositores, éste pretexto no en todos los casos resulta cierto. Muchos artistas de éxito y prestigio en la actualidad, al comienzo de sus carreras fueron obligado a firmar contratos desventajosos y a ceder un amplio porcentaje de ganancias por concepto de ventas de discos a las casas disqueras. Tales artistas posteriormente han tenido que invertir tiempo, dinero y esfuerzo para renegociar contratos con taimados dueños de compañías disqueras y de esta manera obtener una mejor remuneración por el trabajo que realizan.

Empresarios con mucho poder y dinero, dueños de los derechos de explotación de numerosos y valiosos catálogos musicales, ya no quieren que existan las estaciones de radio independientes como Radio Mezcalito y han trazado un plan sistemático para exterminarlas. Una de sus estrategias para monopolizar el campo de la música online y eliminar la competencia, consiste en imponer cuotas elevadas por pagos de regalías a las estaciones de radio independientes. Usando esa estrategia y encabezadas por la poderosa Sony Music Entertainment, estas personas de gran poder adquisitivo lograron acabar con las estaciones independientes que habían sido creadas bajo el cobijo de la empresa "Live365", exigiéndole pagos de regalías exorbitantes, inalcanzables. Una vez exterminada la empresa "Live365", Sony ha puesto sus ojos en Radionomy y en todas las emisoras creadas bajo esa empresa. A principios del año 2016, Sony comenzó una demanda en contra de Radionomy por incumplimiento de pagos de regalías y derechos de autor, Radionomy está tratando de negociar con Sony para que esta reduzca sus cuantiosas exigencias, pero mientras la conversación transcurre, Sony Music ha ordenado a TuneIn que elimine de su sitio a todas las estaciones que transmiten bajo el sistema Radionomy, incluyendo por supuesto a Radio Mezcalito. TuneIn ha obedecido la orden si más averiguaciones, para evitarse problemas legales con la empresa mencionada y su grupo de asociados. Si Radionomy fracasa en la negociación con dicho emporio discográfico, posiblemente será el final de todas las estaciones independientes creadas bajo el sistema Radionomy, incluida Radio Mezcalito. Ésta última es una estación creada sin fines de lucro, cuyo único objetivo es dar a conocer y difundir rock clásico de las décadas doradas, hace tiempo descartado por la mayoría de las estaciones terrestres convencionales. Radio Mezcalito no percibe salario o remuneración alguna por difundir música de rock. Sin ingresos económicos para pagar los millonarios montos monetarios pretendidos por la empresa Sony Music, el futuro de estaciones independientes como Radio Mezcalito no es prometedor. Sin embargo, es nuestra responsabilidad mantener a nuestr@s amables radioescuchas informados acerca de estos graves acontecimientos y procuraremos darle a conocer las novedades que surjan en cuanto a este delicado tema. Mientras tanto, muchas gracias por su interés, por todo el apoyo que siempre ha brindado a la emisora y por escuchar la música que transmite la estación. ¡Un saludo afectuoso!

domingo, 17 de abril de 2016

El inesperado regreso de Los Beatles en la era del punk.

Estimable radioescucha: La beatlemanía en su más histérica expresión quedó plasmada en el disco titulado The Beatles At The Hollywood Bowl. El álbum publicado el 4 de mayo de 1977 en Estados Unidos, apenas dura media hora pero ofrece testimonio de una banda en la cúspide de la fama, que sobreponiéndose a los alaridos de la gente y al limitado avance de la tecnología logró brindar tres recitales triunfales en aquel recinto de concreto. En los años 60s fue común que las bandas de rock publicaran discos grabados en concierto o en vivo, y para Capitol Records estaba claro que The Beatles no deberían ser la excepción. El sello disquero pensó primero en grabar al grupo durante el concierto de febrero de 1964 en el Carnegie Hall de Nueva York, pero la "todopoderosa" federación americana de músicos no otorgó su "omnipotente" aprobación. Seis meses más tarde, luego de obtener los permisos correspondientes, todo estaba listo para la grabación en el Hollywood Bowl de Los Angeles, California. El proceso de grabación resultó un reto difícil de superar debido a las limitaciones técnicas propias de la época. Cuando George Martin quiso participar aportando su experiencia, el personal de Capitol Records le informó que en tierras del Tío Sam sólo la rifaban los productores estadounidenses y no admitirían intromisiones. Voyle Gilmore fue el encargado de dirigir la grabación del 23 de agosto de 1964 usando una cinta de tres canales, con tan mala pericia que cuando Brian Epstein y Los Beatles escucharon el resultado, prefirieron guardar las cintas en una bóveda hasta nuevo aviso. Sin embargo, los ejecutivos de Capitol Records estaban decididos a publicar un álbum en vivo de los melenudos de Liverpool y volvieron a la carga durante los conciertos que en el mismo recinto la banda ofreció los días 29 y 30 de junio de 1965. Cualquiera hubiera pensado que algo habían aprendido Voyle y el sello Capitol de la experiencia anterior, pero para sorpresa de todos, fue aplicada la misma técnica de grabación y lógicamente el resultado otra vez dejó mucho que desear. Al final las cintas grabadas mejor fueron archivadas durante largos años. Escucha canciones de Los Beatles en Radio Mezcalito.


Cuenta la leyenda que en 1971 Phil Spector trató de hacer un álbum decente con las cintas del Hollywood Bowl para competir con el disco grabado en el Star Club que ya empezaba a circular en aquel entonces, pero el proyecto fue interrumpido por los problemas legales que el grupo tenía en ese entonces. Años más tarde, los ejecutivos de Capitol pidieron a George Martin que escuchara las cintas para ver si se podía hacer algo con ellas. El famoso productor inglés acepto a regañadientes, pues recordaba que Los Beatles tenían dificultades en sus conciertos, principalmente porque en esa época no podían escucharse a sí mismos con tanto grito, no contaban con monitores y el sonido de sus amplificadores no alcanzaba a sobresalir entre el bullicio de la multitud descontrolada, a pesar de utilizar los de mayor potencia para la época. La primera dificultad a superar fue encontrar una grabadora de tres canales que aun funcionara en 1977. Cuando Martin y Geoff Emerick la hallaron, notaron que se calentaba con rapidez y tuvieron que suministrarle aire frío mediante una aspiradora funcionando al revés. Lo más común en 1964 era grabar en 3 canales, usando uno de ellos para registrar la voz y de esta manera tener libertad para aumentar o disminuir su volumen. Sin embargo, Martin descubrió horrorizado que Voyle y compañía no habían reservado un canal exclusivo para la voz. En vez de ello, los estadounidenses habían grabado en un canal voces y guitarras, sin posibilidad de efectuar separación alguna, Y los alaridos de la muchedumbre estaban por todos lados, dejando a los ingleses la difícil tarea de remezclar adecuadamente el sonido. En el estudio AIR en Londres, George Martin y Geoff Emerick transfirieron la cinta original de 3 canales a otra de 24 canales, mejorando el audio tanto como fue posible.

El ex productor de Los Beatles tuvo la idea de ensamblar el álbum con canciones de los tres conciertos, uniendo todo para dar la impresión de que se trataba de una sola presentación en directo. El álbum comienza con los gritos de 18,700 ansiosos espectadores que reclaman la salida al escenario de los greñudos de Liverpool y a continuación John, Paul, George y Ringo arremeten con una formidable aunque breve versión de Twist And Shout. De ahí en adelante la música parece quedar encapsulada dentro de un potente avión concorde en pleno despegue, moldeado por los incontrolables gritos de una multitud desesperada. Luego el cuarteto de Liverpool ofrece anfetaminicas versiones de She's a Woman, Dizzy Miss Lizzy, Can't Buy Me Love y Roll Over Beethoven, entre otras, advirtiendo que no hay vuelta atrás,. La mayoría de las piezas apenas rebasa los dos minutos de duración pero la música suena con un galopante vigor y proyecta la más desbordante energía, haciendo parecer irrelevante cualquier equivocación o falla técnica ocurrida durante el trayecto. El fonograma da prueba fidedigna de un evento en donde no hay lugar ni tiempo para poses ni virtuosismo, es sólo la banda haciendo historia al compás de llegas, tocas y te vas. 


Para la época en que el disco fue publicado, el rock había tomado un sesgo inesperado pero bienvenido a cargo de grupos como The Ramones, Sex Pistols, The Damned, Television y otros, quienes sin decir agua va, habían subido al entarimado de la industria musical, arrebatando cámaras y micrófonos, interpretando canciones de sólo 2 minutos, con apenas 3 acordes, gritando a todo aquel que quisiese escuchar ¡Muera la música disco y el pretencioso rock progresivo! En ese contexto Los Beatles en vivo en el Hollywood Bowl suenan tan contemporáneos como la más aguerrida banda punk.

Ficha técnica del disco The Beatles At The Hollywood Bowl
Portada del disco SMAS-11638
Contraportada del disco SMAS-11638
Título del disco: The Beatles At The Hollywood Bowl
Artista: The Beatles
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 33 min 13 seg
Fecha de lanzamiento: 4 Mayo 1977 (EUA); 6 Mayo 1977 (RU)
País: Estados Unidos
Productor: George Martin / Voyle Gilmore
Sello disquero: Capitol (SMAS-11638) en EUA/ Parlophone (EMTV 4, 0C 062-06377) en RU
Género: Rock
Estilo: Pop, Rock N' Roll
Posición en lista de éxitos: N°1 en GB / N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Twist And Shout B. Rusell - P. Medley The Beatles 1:20
2A She's A Woman J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:45
3A Dizzy Miss Lizzy Larry Williams The Beatles 3:00
4A Ticket To Ride J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:18
5A Can't Buy Me Love J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:08
6A Things We Said Today J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:07
7A Roll Over Beethoven Chuck Berry The Beatles 2:10
1B Boys J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:57
2B A Hard Day's Night J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:30
3B Help J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:16
4B All My Loving J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:55
5B She Loves You J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:10
6B Long Tall Sally J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:54
Artistas participantes.
John Lennon – Voz y guitarra eléctrica
Paul McCartney – Voz y bajo eléctrico
George Harrison – Voz y guitarra eléctrica
Ringo Starr – Voz y batería

Créditos del disco.
Fecha de grabación: domingo 23 de agosto 1964, domingo 29 de agosto 1965; lunes 30 de agosto 1965.
Lugar de grabación: Anfiteatro Hollywood Bowl, 2301 Highland Ave; Los Angeles, California
Estudio de grabación: Air London Studios
Dirección de arte: Roy Kohara
Ingeniero de audio: Hugh Davies (concierto de 1964); Pete Abbott (conciertos de 1965); Geoff Emerick (limpieza de audio, remezcla y secuencia de canciones). Masterización: Wally Traugott

Datos curiosos e información adicional acerca del disco The Beatles At The Hollywood Bowl.
Cuando los ejecutivos de Capitol estaban diseñando la portada del disco, pensaron incluir en ella dos boletos originales de los conciertos en el Hollywood Bowl. Sin embargo, tal vez porque en ese momento no tuvieron acceso a los boletos reales o porque no encontraron fotografías de los mismos, decidieron inventar unos. Para diseñarlos, tomaron como base algunos boletos de conciertos del grupo America y de Joan Baez en el mismo recinto, así como algunos del concierto de The Beatles en el Shea Stadium. No obstante, durante el proceso de diseño se equivocaron en las fechas de los conciertos al escribir "sábado" (Sat.) en vez de "domingo" (Sun.). Luego de la publicación del disco en 1977, algunos melómanos escribieron cartas al sello disquero, haciéndole notar el error, pero Capitol Records se mostró arrogante e indiferente y nunca se digno contestar, mucho menos corregir el error en el diseño de la funda. Abajo se muestra la imagen de un boleto auténtico correspondiente al concierto del domingo 29 de agosto de 1965.


En la contraportada esta anotado equivocadamente que los canciones del álbum fueron grabadas durante 2 de los 3 conciertos en el Hollywood Bowl. En realidad también fueron incluidas tres canciones del concierto del 29 de agosto de 1965.
Los temas tomados del concierto de 1964 son: Things We Said Today, Roll Over Beethoven, All My Loving, Boys, She Loves You, Long Tall Sally,
Las canciones que pertenecen al concierto grabado el 29 de agosto de 1965 son: Ticket To Ride, Help! y una parte de Dizzy Mis Lizzy.
Las canciones extraídas del concierto del 30 de agosto de 1965 son: Twist And Shout, She's A Woman, A Hard Day's Night, Can't Buy Me Love y un fragmento de Dizzy Miss Lizzy,

La primera edición estadounidense del disco The Beatles At The Hollywood Bowl (SMAS-11638) tenía los boletos de la portada y contraportada impresos en relieve. En ediciones posteriores los boletos ya no están estampados en relieve. En México el disco salió a la venta bajo el sello EMI Capitol (SLEM-714) casi de manera simultánea que en Estados Unidos con la diferencia de que la edición azteca no tenía los boletos impresos en relieve, pero incluía en la portada un tercer boleto o "sticker" externo de color rojo, el cual fue omitido en todas las ediciones posteriores. Hoy en día, es difícil encontrar una copia mexicana en buen estado de conservación que incluya el tercer sticker. El disco de vinilo quedó descatalogado en los años 90s y nunca ha sido publicado de forma oficial en CD, dando la oportunidad a los bucaneros para que se den vuelo lanzando copias piratas a la menor provocación y a precios exorbitantes, pero sin valor de reventa a los ojos del coleccionista experto. Es mejor tratar de conseguir el álbum de vinilo en tiendas de segunda mano donde suelen tener ejemplares en buena condición y a precio razonable. Un saludo afectuoso y gracias por escuchar canciones de Los Beatles en Radio Mezcalito.

Copyright © Andrés Lang

sábado, 9 de abril de 2016

The Doors, el álbum que desconcertó a la muchedumbre.

Estimable radioescucha: un 4 de enero pero de 1967, sin más preámbulo la banda The Doors inauguró el año de las obras maestras, lanzando a la venta uno de los álbumes debut más memorables en la historia del rock. Publicado por el sello Elektra (EKS-74007), la música del célebre fonograma fue resultado de una acertada mezcla entre rock, jazz, blues, música clásica y extravagante poesía. El órgano de aires eclesiásticos a cargo de Ray Manzarek, la distintiva guitarra de Robby Krieger y la machacante batería de John Densmore proporcionaron el marco musical idóneo para la seductoras y provocativas letras de Jim Morrison. En lugar de himnos para los que se ponían flores en el pelo, en el disco llamado simplemente The Doors, Jim y compañía animan al oyente a saltar muros sin temor a lo que pueda pasar, superando fronteras personales, por ejemplo en la pieza titulada Break On Through (To The Other Side). Inútil tratar de hallar en el fonograma temas de relleno, todas las melodías son cautivadoras, con una dramática tensión que impregna el ambiente de principio a fin. Desde la energética Take it As It Comes, prosiguiendo con la elegante Twentieth Century Fox, la psicodelia seductora de The Crystal Ship, hasta la enigmática receta implícita en Soul Kitchen recomendable para todos aquellos que anhelan "aprender a olvidar". Y por supuesto, la incendiaria Light My Fire, cuya letra es de Krieger, Ésta última destila una poderosa e inolvidable interacción musical entre la voz de Morrison, el órgano de Manzarek, la guitarra de Krieger y la batería de Densmore, impulsando el disco directo hacia la cima. Aunque Alabama Song / Whisky Bar no es composición de la banda, The Doors se encargaron de hacerla suya, con tal éxito que se convirtió en una favorita del Whiskey A Go Go. El persuasivo blues de Willie Dixon esta bien representado mediante la rola Back Door Man que por un tiempo formó parte del repertorio en vivo del grupo. Por otro lado, End Of The Night era un oscuro y desolador poema de Jim al que la banda le puso música para después grabarlo como cinta demo en 1965. Más tarde  la pieza fue rescatada y regrabada para el primer disco de larga duración del conjunto. The Doors finaliza con un oscuro y engañoso drama llamado The End, que al comienzo parece ser tan sólo una inofensiva canción de despedida, pero que sin previo aviso se transforma en un escabroso ritual sonoro hasta desemboca en un complejo conflicto edipico, exhibido sin el menor remordimiento y lanzado cual siniestro escupitajo a la cara de una sociedad mojigata. La grabación en consola de cuatro canales no estuvo exenta de problemas debido sobre todo al carácter temperamental e impredecible de Morrison que ya para entonces había dejado en claro que su prioridad era vivir más allá del límite. Durante el registro en cinta magnética de la épica The End, Morrison quien se hallaba tendido en el suelo del estudio viajando en ácido, murmurando unas frases de la canción, repentinamente se incorporó, tomó un aparato de televisión y lo estrelló contra el cristal de la cabina de control. Fue reprendido por el productor Paul A. Rothchild quien lo envió a casa como si fuera un escolar malcriado: Pero en la madrugada Jim regresó, se coló desnudo en el Sunset Sound Recorders y roció con un extinguidor el estudio de grabación, dañando la consola de 4 canales y ocasionando cuantiosos daños. Al final, Rothchild persuadió a Morrison de que se vistiera y regresara a casa. El productor se encargo de que el sello Elektra cubriera los daños. Más tarde, la banda logró grabar la pieza en dos tomas, redondeando así un álbum en esencia conformado por temas que el grupo solía interpretar en el legendario Whisky A Go Go de Los Angeles, California. Desafortunadamente, el conjunto a lo largo de su trayectoria musical no logró igualar la calidad de su álbum debut y Morrison se apresuró a cancelar su suscripción a la resurrección para unirse al exclusivo club de los 27. Escucha canciones de The Doors en Radio Mezcalito. Un saludo afectuoso.

Ficha técnica del disco The Doors
Portada del disco EKS-47007
Contraportada del disco EKS-47007
Título del disco: The Doors
Artista: The Doors
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 44 min 48 seg
Fecha de lanzamiento: 4 de Enero 1967
País: Estado Unidos
Productor: Paul A. Rothchild
Ingeniero de audio: Bruce Botnick
Sello disquero: Elektra Stereo (EKS-74007) / Mono (EKL-4007)
Género: Rock
Estilo: Rock Sicodélico
Posición en lista de éxitos: N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Break on through (To The Other Side) The Doors The Doors 2:29
2A Soul Kitchen The Doors The Doors 3:35
3A The Crystal Ship The Doors The Doors 2:34
4A Twentieth Century Fox The Doors The Doors 2:33
5A Alabama Song (Whisky Bar) Bertolt Brecht, Kurt Weill The Doors 3:20
6A Light My Fire The Doors The Doors 7:06
1B Back Door Man Willie Dixon, Chester Burnett The Doors 3:34
2B I Looked at You The Doors The Doors 2:22
3B End of the Night The Doors The Doors 2:52
4B Take It as It Comes The Doors The Doors 2:23
5B The End The Doors The Doors 11:41
Artistas participantes.
Jim Morrison – Voz principal
Robby Krieger – Guitarra y voz
Ray Manzarek – Teclados
John Densmore – Batería
Larry Knechtel – bajo eléctrico

Créditos del disco.
Estudio de grabación: Sunset Sound Recorders en Hollywood, California
Fecha de grabación: 24 al 31 de Agosto 1966
Diseño de portada: William S. Harvey
Fotografía de portada– Guy Webster.
Fotografía de contraportada - Joel Brodsky.

Datos curiosos e información adicional acerca del disco The Doors
El álbum fue publicado en Estados Unidos bajo el sello Elektra, tanto en versión monoaural (EKL-4007) como en formato estereofónico (EKS-47007). En la imagen se observa el aspecto que tiene la etiqueta central del disco en su primara edición estereofónica. La etiqueta o "galleta" es de color dorado con el símbolo de la disquera, una letra E estilizada, ocupando casi la mitad de espacio. Si usted está en busca de una copia de la primera edición estéreo tal y como apareció primero en Estados Unidos, este es el disco que debe buscar.

Por otra parte, la etiqueta central del disco en su formato monoaural también es de color dorado distinguiendose de la versión estereofónica únicamente por el número de catálogo. Como sucede en estos casos, si de casualidad se llega a encontrar con una copia de la edición original, no la deje escapar pero procure tener un buen capital, porque en buen estado de conservación el acetato se deja querer por una respetable suma.

Algunas personas acostumbradas a escuchar la mezcla estereofónica del álbum, al oír por vez primera la mezcla monofónica parecen notar que hay una ligera predominancia de la batería y guitarra sobre el sonido del órgano, además de un balance más equilibrado, pero por supuesto estas son sólo opiniones subjetivas. Mientras algunas personas notan diferencias, otras no distinguen cambios por lo que siguen dando preferencia a la mezcla estéreo. Por cierto, la versión monofónica fue descontinuada poco tiempo después de su lanzamiento en 1967 y no volvió a ver la luz del día sino hasta el año 2010, cuando Rhino Records publicó una versión remasterizada en vinilo de 180 gramos, como un acontecimiento especial para festejar el Record Store Day gringo. La mezcla mono nunca apareció oficialmente en disco compacto pero sí esta a la venta en formato MP3. En México, el disco fue publicado después de que la canción Light My Fire obtuvo un éxito rotundo. La primera edición mexicana lanzada por Elektra (número de catálogo 990501) es estereofónica y tiene una etiqueta central del disco de color crema, con el símbolo de la disquera en menor tamaño y los títulos de las canciones escritos en inglés y en español. En la funda exterior puede observarse una leyenda que dice en letras mayúsculas: "También para aparatos monoaurales". A comienzos de los años 70s la marca Gamma logró obtener los derechos de publicación del álbum en México, lanzando una edición con su particular y distintiva portada laminada. El álbum fue muy popular en México por lo que fue reeditado continuamente a lo largo de los años 70s y 80s del siglo XX.


Del álbum se desprendieron los siguientes sencillos de 45 rpm: Break on through (To The Other Side) / End Of The Night publicado por la marca Elektra (45611) en enero de 1967. Los ejecutivos de Elektra censuraron la letra de la canción porque consideraron que hacía alusión a las drogas. Decidieron que la palabra "She Gets High" fuera regrabada y en su lugar sólo se escuchara a Jim cantando "She Get". Aunque algunos escritores y periodistas afirman equivocadamente que Break on through fue el primer gran éxito de Las Puertas, en realidad la pieza pasó desapercibida en casi todo Estados Unidos, con excepción de Los Angeles en donde logró un éxito más bien modesto. En esa ciudad los miembros de la banda solían llamar una y otra vez a las estaciones de radio locales para que programaran la canción, pero luego de ser descubiertos los locutores les advirtieron: "Sabemos quienes son ustedes, si siguen saturando la línea telefónica no volveremos a tocar su canción". Irónicamente, esta pieza que en su momento pasó desapercibida, apenas arañando el número 126 de la lista Billboard, hoy en día es una de las más representativas de la banda.

Light My Fire / The Crystal Ship publicado bajo el sello Elektra (45615) en abril de 1967. Enciende mi fuego hoy en día es la canción emblemática del grupo, aclamada como uno de los himnos más memorables en la historia del rock grabado. Pero cuando salió a la venta en formato de 7 puilgadas, le tomó tiempo ser aceptada por el público. Tras el fracaso de Break on through (To The Other Side), la compañía disquera no se rindió y preparó el lanzamiento de un nuevo sencillo. Primero
Paul A. Rothchild intentó que la banda grabara una nueva versión de Light my fire más corta que la del LP, pero al parecer la musa inspiración los había abandonado temporalmente y ninguna toma agradó al productor. Desesperado, Rothchild mejor editó la pieza larga incluida en el álbum reduciendo la duración a 3 minutos para su apropiada difusión en radio. El disco a 45 revoluciones por minuto fue lanzado en abril y al principio corrió la misma suerte de su antecesor. Pero mientras la banda se encontraba de gira, lentamente el disco empezó a cobrar impulso, abriéndose paso con desesperante lentitud en las listas de éxito. Ya para junio estaba entre las 10 primeras del Billboard. coronándose en el número 1 la última semana de Julio de 1967. Empujado por el sencillo, el disco LP pareció volver a la vida y esta vez también se disparó a los primeros lugares con intención de llegar ser el número 1, pero no logró destronar a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, la obra maestra del cuarteto de Liverpool.


Con el paso de los años fue evidente que los integrantes sobrevivientes de la banda resultaron mejores comerciantes que músicos, reeditando una y otra vez los discos de
Los Doors en formato de disco compacto. La primera edición de su álbum debut fue publicada en disco compacto en 1983 [Elektra 74007- 2 (242 012)]. El productor original de la banda ni se había enterado de que el disco ya había salido en ese formato y cuando en una tienda se encontró con un ejemplar, lo compró. Luego de escucharlo aborreció el sonido, concluyendo que había sido tomado de una cinta de quinta u octava generación lejos de la cinta maestra. Sonaba como un viejo cassette con distorsión y ruido de fondo. Decidido a cambiar la situación, en 1988 Paul A. Rothchild supervisó la publicación de una nueva edición en CD con resultados alentadores pero criticas divididas. Los seguidores de hueso colorado esperaban que para la edición en CD de 1988 fuera incluida la versión sin censura de Break on through pero se quedaron con las ganas y tuvieron que esperar 11 años más. Mientras tanto, otros opinaron que el sonido del disco publicado en 1988 estaba lejos de igualar al menos la calidez y fidelidad del audio en formato de vinilo. En 1999 salió a la venta una caja o "box set" de 6 CDs llamada "The Complete Studio Recordings" que contiene entre otros, el álbum debut de la banda nuevamente remasterizado y esta vez con la anhelada versión sin censura de Break on through. En el año 2006 fue lanzada una nueva caja llamada "Perception 2006 - 40th anniversary remixes" con un sonido y mezcla similar, sino es que igual a la edición de 1999. En el 2008, luego del regreso inesperado del formato de vinilo, fueron reeditados los 6 álbumes de estudio en acetato, presentados en una caja llamada "The Doors Vinyl Box Set". Tal vez no sepamos que depara el futuro, pero de lo que sí estamos seguros es de que en el camino encontraremos una nueva reedición de discos de The Doors. Deseamos que la información aquí publicada le sea de utilidad. Gracias por escuchar a The Doors en Radio Mezcalito. Saludos y hasta la próxima.

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viernes, 1 de abril de 2016

After-math, el disco que odiaron las feministas.

Estimable radioescucha escucha canciones de The Rolling Stones en Radio Mezcalito. A principios de 1966 Las Piedras Rodantes continuaba siendo considerada una banda inglesa que se limitaba a reciclar canciones de Rhythm & Blues. Mick Jagger y compañía ya habían mostrado su propia capacidad creativa al publicar canciones como "Satisfaction" y "19th Nervous Breakdown" obteniendo gran éxito de ventas, pero hacia falta una prueba contundente de que musicalmente podían llegar a ser tan competitivos como sus rivales de Liverpool. La evidencia emergió con la publicación del disco Aftermath en abril de 1966. El nuevo álbum, grabado en los estudios de la RCA en Hollywood luego de una polémica gira por tierras del Tío Sam, fue el primero del conjunto en donde todas las piezas fueron compuestas por el dúo Jagger-Richards. A pesar de haber sido grabado en tan sólo dos sesiones durante diciembre de 1965 y marzo de 1966, el fonograma resultante conformado por 14 temas resultó ser el trabajo más sólido del conjunto hasta ese momento. El álbum esta impregnado de una atmósfera musical cohesiva, unificada, enriquecida por el uso de instrumentos que anteriormente no estaban relacionados con el pop o el rock. En cuanto a las letras de las canciones, los temas abordados son provocadores, polémicos y en algunos casos exhiben una virulenta misoginia. La hostilidad hacia el sexo femenino se deja sentir en rolas como Under My Thumb, Stupid Girl y Out of Time, que con el tiempo otorgó a Los Stones la fama de "chicos malos del rock". Esa actitud agresiva hacia las mujeres era en parte un reflejo de las tormentosas y fallidas relaciones sentimentales sostenidas por Jagger. En Mother's Little Helper, Jagger y compañía describen la vida de una ama de casa que logra encarar los problemas y afanes de la vida cotidiana con la ayuda de medicamentos. La adicción a las drogas era tema delicado en el mundo del pop, y si la protagonista es una ama de casa, considerada como el corazón y núcleo de la familia, el asunto se convertía casi en tabú para la recatada sociedad inglesa. Tal vez por esa razón Mother's Little Helper no fue lanzada como disco sencillo en tierras de la Reina Isabel, pero se vendió como pan caliente en las libertinas tierras del Tío Sam.

El álbum contiene también tonadas de acaramelada belleza como Lady Jane, adornada con exquisitos sonidos de dulcimer, guitarra acústica y clavecín, dando como resultado un desenfadado coqueteo con el rock barroco que fue la envidia de grupos como The Left Bank o The Millenium. Las melodías agridulces también están presentes en los surcos del disco y ahí están como ejemplo What To Do y Take It Or Leave It. Además, huellas de música country y blues estadounidense son halladas con facilidad en la pieza High And Dry. El rhythm and blues, blues y rock and roll son ingredientes notorios en la música de It's No Easy, una canción poco valorada por los incondicionales de Keith Richards y compañía pero que en realidad es una de las mejores del disco. En dicha pieza el cantante llega a la conclusión de que es difícil sobrevivir por tu cuenta cuando tu mujer te ha abandonado a tu suerte, cual perro maloliente. Esos sentimientos ambivalentes y contradictorios acerca de la mujer, expresados a lo largo del disco parecen conducir al laberinto filosófico de que no puedas vivir con ellas, pero tampoco sin ellas. Flight 505 comienza con un solo de piano que entreteje notas bluseras, las cuales sorpresivamente se convierten en una reminiscencia de Satisfaction, dando entrada a la batería de Charlie Watts y al resto de la banda. Flight 505 no hace referencia a la avioneta en que Buddy Holly perdió la vida como muchos creen, sino al temor a volar. En It's No Easy, Doncha Bother Me, Out Of Time y en otras piezas del disco se escucha el sonido grave, zumbante, como de un avión bombardero en picada, que parece ser un bajo eléctrico al que Bill Wyman ha añadido un pedal de distorsión. Keith Richards se hizo cargo de las partes principales de guitarra en las sesiones de grabación pues Brian Jones parecía indispuesto durante periodos largos de tiempo, gracias al exceso en el consumo de extrañas sustancias químicas. A pesar de estar librando constantes batallas contra sus propios demonios internos, Jones tuvo el ánimo suficiente para realizar las aportaciones más importantes, incorporando al sonido del grupo instrumentos como la marimba en Under My Thumb y Out of Time; el sitar en Mother's Little Helper y Paint it, Black; y el dulcémele en Lady Jane así como en la infravalorada I'm Waiting. De esta manera Brian Jones dejó en claro que era el músico más brillante e imaginativo del grupo, pero también el más volátil, impredecible y menos confiable.


Al principio la banda quería que el álbum fuese titulado Could You Walk On The Water?, pero la disquera aborreció la idea. Los Rolling Stones también planearon que el disco tuviera funda desplegable de lujo y que incluyera un cuadernillo de 6 páginas con fotos de la banda, tomadas a todo color durante su más reciente gira por Estados Unidos, pero los miopes ejecutivos de Decca no quisieron ni oír hablar del tema. Algunas canciones grabadas durante las sesiones de diciembre del '65 y marzo del '66 quedaron fuera por falta de espacio, como Ride On Baby, y Sittin' On A Fence, siendo insertadas con calzador más tarde en discos recopilatorios como "Flowers" y en caras B de discos sencillos. Publicado por el sello Decca en Inglaterra, el álbum alcanzó con rapidez la posición número 1, aunque en Estados Unidos quedó atorado en el número 2, sin lograr desbancar a Rubber Soul de The Beatles. Las criticas hacia Aftermath no se hicieron esperar: algunas personas opinaron que el álbum era una abierta e inaceptable agresión hacia las mujeres, mientras que otras consideraron que los autores se limitaron a describir con exuberante nitidez los valores retorcidos dentro de una decadente sociedad machista. Es cierto que Jagger y Richards muestran inconsistencia en las letras a lo largo del disco y tuvieron que rellenar espacio descaradamente al incluir "Goin' Home", una canción recordada más por su duración de 11 minutos que por su contenido, pero también dieron prueba fidedigna de que estaban progresando y esa evolución musical a largo plazo les aseguró la supervivencia hasta nuestros días.
Ficha técnica del disco Aftermath
Portada del disco SKL 4786
Contraportada del disco SKL 4786
Título del disco: Aftermath
Artista: The Rolling Stones
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 52 min 48 seg
Fecha de lanzamiento: Abril 1966
País: Gran Bretaña
Productor: Andrew Loog Oldham
Ingeniero de audio: Dave Hassinger
Sello disquero Gran Bretaña: Decca Stereo (SKL 4786) / Decca Mono (KL 4786)
Género: Rock
Estilo: Pop, Rhythm & Blues
Posición en lista de éxitos: N°1 en GB / N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Mothers Little Helper Jagger, Richards The Rolling Stones 2:40
2A Stupid Girl Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52
3A Lady Jane Jagger, Richard The Rolling Stones 3:06
4A Under My Thumb Jagger, Richards The Rolling Stones 3:20
5A Doncha Bother Me Jagger, Richards The Rolling Stones 2:25
6A Goin' Home Jagger, Richards The Rolling Stones 11:35
1B Flight 505 Jagger, Richards The Rolling Stones 3:25
2B High And Dry Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52
3B Out Of Time Jagger, Richards The Rolling Stones 5:15
4B It's Not Easy Jagger, Richards The Rolling Stones 2:35
5B I Am Waiting Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10
6B Take It Or Leave It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:47
7B Think Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10
8B What To Do It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:30
Artistas participantes.
Mick Jagger – Voz principal
Keith Richards – Guitarra y voz
Brian Jones – Guitarra eléctrica, marimba, dulcimer, teclados
Bill Wyman – Bajo eléctrico y percusiones
Charlie Watts – Batería y percusiones
Ian Stewart – Piano
Jack Nitszche – Teclado y percusiones

Créditos del disco.
Estudio de grabación: RCA Studios en Hollywood, California
Fecha de grabación: Diciembre 1965 y Marzo 1966
Diseño de portada: Sandy Beach
Fotografía de portada– Guy Webster.
Fotografías de contraportada - Jerrold Schatzberg.

Datos curiosos e información adicional acerca del disco Aftermath
El álbum fue publicado en Inglaterra bajo el sello Decca durante abril de 1966, tanto en versión monoaural (KL.4786) como en formato estereofónico (SKL.4786). En la imagen se observa el aspecto que tiene la etiqueta central del disco en su primara edición estereofónica. La etiqueta o "galleta" es de color azul con el nombre de la disquera en letras plateadas pero no enmarcadas (non boxed logo). Si anda en busca de una copia de la primera edición estéreo tal y como apareció primero en Inglaterra, este es el disco que debe buscar.

Por otra parte, la etiqueta central del disco en su formato monoaural es de color rojo con el logo del sello disquero en grandes letras plateadas no enmarcadas (non boxed logo). Por supuesto, si de casualidad llega a ver estos discos en buen estado de conservación procure tener un buen crédito o capital, pues el acetato se deja querer por una módica aunque exorbitante y generosa suma.

En Estados Unidos el disco fue publicado por el sello London conteniendo una lista de canciones inferior a la versión inglesa, pues aunque fue agregada la clásica Paint It, Black, quedaron fuera 4 temas: Mother's Little Helper, What To Do, Take It Or Leave It y Out Of Time, desbaratando la atmósfera cohesiva que proporciona un carácter unificado al álbum. Las piezas descartadas luego fueron incluidas en otras compilaciones lanzadas para el mercado estadounidense. En México, Aftermath fue publicado por el sello London en complicidad con Peerless pero desafortunadamente se trata de una edición basada en la adulterada versión estadounidense, limitada a 11 canciones.

Del álbum se desprendieron algunos sencillos: Mother's Little Helper / Lady Jane publicado bajo el sello London en mayo de 1966.

Paint it Black / Long Long While publicado en Estados Unidos por London el 7 de mayo de 1966, y por el sello Decca en Gran Bretaña el 13 de mayo del mismo año.

El disco fue publicado en disco compacto en 1986 por el sello ABCKO de Allen Klein. El audio resultante era frágil, endeble por decir lo menos. Durante décadas los seguidores del grupo tuvieron que conformarse con esas ediciones piadosamente pobres en calidad auditiva. No fue sino hasta agosto del año 2002 cuando ABCKO despertó de un largo letargo y lanzó una serie de 22 títulos de Los Stones en el ambicioso formato Super Audio CD (SACD), mostrando que las cosas empezaban a mejorar. Ese año finalmente el disco Aftermath vio la luz en el formato de audio digital con un sonido decente. Aunque costosa, es mejor buscar la edición SADC editada en el 2002 si usted desea reemplazar su copia de vinilo. Deseamos que la información aquí publicada le sea de utilidad. Gracias por escuchar a The Rolling Stones en Radio Mezcalito. Saludos y hasta la próxima.

Copyright © Andrés Lang