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domingo, 17 de abril de 2016

El inesperado regreso de Los Beatles en la era del punk.

Estimable radioescucha: La beatlemanía en su más histérica expresión quedó plasmada en el disco titulado The Beatles At The Hollywood Bowl. El álbum publicado el 4 de mayo de 1977 en Estados Unidos, apenas dura media hora pero ofrece testimonio de una banda en la cúspide de la fama, que sobreponiéndose a los alaridos de la gente y al limitado avance de la tecnología logró brindar tres recitales triunfales en aquel recinto de concreto. En los años 60s fue común que las bandas de rock publicaran discos grabados en concierto o en vivo, y para Capitol Records estaba claro que The Beatles no deberían ser la excepción. El sello disquero pensó primero en grabar al grupo durante el concierto de febrero de 1964 en el Carnegie Hall de Nueva York, pero la "todopoderosa" federación americana de músicos no otorgó su "omnipotente" aprobación. Seis meses más tarde, luego de obtener los permisos correspondientes, todo estaba listo para la grabación en el Hollywood Bowl de Los Angeles, California. El proceso de grabación resultó un reto difícil de superar debido a las limitaciones técnicas propias de la época. Cuando George Martin quiso participar aportando su experiencia, el personal de Capitol Records le informó que en tierras del Tío Sam sólo la rifaban los productores estadounidenses y no admitirían intromisiones. Voyle Gilmore fue el encargado de dirigir la grabación del 23 de agosto de 1964 usando una cinta de tres canales, con tan mala pericia que cuando Brian Epstein y Los Beatles escucharon el resultado, prefirieron guardar las cintas en una bóveda hasta nuevo aviso. Sin embargo, los ejecutivos de Capitol Records estaban decididos a publicar un álbum en vivo de los melenudos de Liverpool y volvieron a la carga durante los conciertos que en el mismo recinto la banda ofreció los días 29 y 30 de junio de 1965. Cualquiera hubiera pensado que algo habían aprendido Voyle y el sello Capitol de la experiencia anterior, pero para sorpresa de todos, fue aplicada la misma técnica de grabación y lógicamente el resultado otra vez dejó mucho que desear. Al final las cintas grabadas mejor fueron archivadas durante largos años. Escucha canciones de Los Beatles en Radio Mezcalito.


Cuenta la leyenda que en 1971 Phil Spector trató de hacer un álbum decente con las cintas del Hollywood Bowl para competir con el disco grabado en el Star Club que ya empezaba a circular en aquel entonces, pero el proyecto fue interrumpido por los problemas legales que el grupo tenía en ese entonces. Años más tarde, los ejecutivos de Capitol pidieron a George Martin que escuchara las cintas para ver si se podía hacer algo con ellas. El famoso productor inglés acepto a regañadientes, pues recordaba que Los Beatles tenían dificultades en sus conciertos, principalmente porque en esa época no podían escucharse a sí mismos con tanto grito, no contaban con monitores y el sonido de sus amplificadores no alcanzaba a sobresalir entre el bullicio de la multitud descontrolada, a pesar de utilizar los de mayor potencia para la época. La primera dificultad a superar fue encontrar una grabadora de tres canales que aun funcionara en 1977. Cuando Martin y Geoff Emerick la hallaron, notaron que se calentaba con rapidez y tuvieron que suministrarle aire frío mediante una aspiradora funcionando al revés. Lo más común en 1964 era grabar en 3 canales, usando uno de ellos para registrar la voz y de esta manera tener libertad para aumentar o disminuir su volumen. Sin embargo, Martin descubrió horrorizado que Voyle y compañía no habían reservado un canal exclusivo para la voz. En vez de ello, los estadounidenses habían grabado en un canal voces y guitarras, sin posibilidad de efectuar separación alguna, Y los alaridos de la muchedumbre estaban por todos lados, dejando a los ingleses la difícil tarea de remezclar adecuadamente el sonido. En el estudio AIR en Londres, George Martin y Geoff Emerick transfirieron la cinta original de 3 canales a otra de 24 canales, mejorando el audio tanto como fue posible.

El ex productor de Los Beatles tuvo la idea de ensamblar el álbum con canciones de los tres conciertos, uniendo todo para dar la impresión de que se trataba de una sola presentación en directo. El álbum comienza con los gritos de 18,700 ansiosos espectadores que reclaman la salida al escenario de los greñudos de Liverpool y a continuación John, Paul, George y Ringo arremeten con una formidable aunque breve versión de Twist And Shout. De ahí en adelante la música parece quedar encapsulada dentro de un potente avión concorde en pleno despegue, moldeado por los incontrolables gritos de una multitud desesperada. Luego el cuarteto de Liverpool ofrece anfetaminicas versiones de She's a Woman, Dizzy Miss Lizzy, Can't Buy Me Love y Roll Over Beethoven, entre otras, advirtiendo que no hay vuelta atrás,. La mayoría de las piezas apenas rebasa los dos minutos de duración pero la música suena con un galopante vigor y proyecta la más desbordante energía, haciendo parecer irrelevante cualquier equivocación o falla técnica ocurrida durante el trayecto. El fonograma da prueba fidedigna de un evento en donde no hay lugar ni tiempo para poses ni virtuosismo, es sólo la banda haciendo historia al compás de llegas, tocas y te vas. 


Para la época en que el disco fue publicado, el rock había tomado un sesgo inesperado pero bienvenido a cargo de grupos como The Ramones, Sex Pistols, The Damned, Television y otros, quienes sin decir agua va, habían subido al entarimado de la industria musical, arrebatando cámaras y micrófonos, interpretando canciones de sólo 2 minutos, con apenas 3 acordes, gritando a todo aquel que quisiese escuchar ¡Muera la música disco y el pretencioso rock progresivo! En ese contexto Los Beatles en vivo en el Hollywood Bowl suenan tan contemporáneos como la más aguerrida banda punk.

Ficha técnica del disco The Beatles At The Hollywood Bowl
Portada del disco SMAS-11638
Contraportada del disco SMAS-11638
Título del disco: The Beatles At The Hollywood Bowl
Artista: The Beatles
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 33 min 13 seg
Fecha de lanzamiento: 4 Mayo 1977 (EUA); 6 Mayo 1977 (RU)
País: Estados Unidos
Productor: George Martin / Voyle Gilmore
Sello disquero: Capitol (SMAS-11638) en EUA/ Parlophone (EMTV 4, 0C 062-06377) en RU
Género: Rock
Estilo: Pop, Rock N' Roll
Posición en lista de éxitos: N°1 en GB / N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Twist And Shout B. Rusell - P. Medley The Beatles 1:20
2A She's A Woman J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:45
3A Dizzy Miss Lizzy Larry Williams The Beatles 3:00
4A Ticket To Ride J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:18
5A Can't Buy Me Love J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:08
6A Things We Said Today J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:07
7A Roll Over Beethoven Chuck Berry The Beatles 2:10
1B Boys J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:57
2B A Hard Day's Night J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:30
3B Help J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:16
4B All My Loving J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:55
5B She Loves You J. Lennon - P. McCartney The Beatles 2:10
6B Long Tall Sally J. Lennon - P. McCartney The Beatles 1:54
Artistas participantes.
John Lennon – Voz y guitarra eléctrica
Paul McCartney – Voz y bajo eléctrico
George Harrison – Voz y guitarra eléctrica
Ringo Starr – Voz y batería

Créditos del disco.
Fecha de grabación: domingo 23 de agosto 1964, domingo 29 de agosto 1965; lunes 30 de agosto 1965.
Lugar de grabación: Anfiteatro Hollywood Bowl, 2301 Highland Ave; Los Angeles, California
Estudio de grabación: Air London Studios
Dirección de arte: Roy Kohara
Ingeniero de audio: Hugh Davies (concierto de 1964); Pete Abbott (conciertos de 1965); Geoff Emerick (limpieza de audio, remezcla y secuencia de canciones). Masterización: Wally Traugott

Datos curiosos e información adicional acerca del disco The Beatles At The Hollywood Bowl.
Cuando los ejecutivos de Capitol estaban diseñando la portada del disco, pensaron incluir en ella dos boletos originales de los conciertos en el Hollywood Bowl. Sin embargo, tal vez porque en ese momento no tuvieron acceso a los boletos reales o porque no encontraron fotografías de los mismos, decidieron inventar unos. Para diseñarlos, tomaron como base algunos boletos de conciertos del grupo America y de Joan Baez en el mismo recinto, así como algunos del concierto de The Beatles en el Shea Stadium. No obstante, durante el proceso de diseño se equivocaron en las fechas de los conciertos al escribir "sábado" (Sat.) en vez de "domingo" (Sun.). Luego de la publicación del disco en 1977, algunos melómanos escribieron cartas al sello disquero, haciéndole notar el error, pero Capitol Records se mostró arrogante e indiferente y nunca se digno contestar, mucho menos corregir el error en el diseño de la funda. Abajo se muestra la imagen de un boleto auténtico correspondiente al concierto del domingo 29 de agosto de 1965.


En la contraportada esta anotado equivocadamente que los canciones del álbum fueron grabadas durante 2 de los 3 conciertos en el Hollywood Bowl. En realidad también fueron incluidas tres canciones del concierto del 29 de agosto de 1965.
Los temas tomados del concierto de 1964 son: Things We Said Today, Roll Over Beethoven, All My Loving, Boys, She Loves You, Long Tall Sally,
Las canciones que pertenecen al concierto grabado el 29 de agosto de 1965 son: Ticket To Ride, Help! y una parte de Dizzy Mis Lizzy.
Las canciones extraídas del concierto del 30 de agosto de 1965 son: Twist And Shout, She's A Woman, A Hard Day's Night, Can't Buy Me Love y un fragmento de Dizzy Miss Lizzy,

La primera edición estadounidense del disco The Beatles At The Hollywood Bowl (SMAS-11638) tenía los boletos de la portada y contraportada impresos en relieve. En ediciones posteriores los boletos ya no están estampados en relieve. En México el disco salió a la venta bajo el sello EMI Capitol (SLEM-714) casi de manera simultánea que en Estados Unidos con la diferencia de que la edición azteca no tenía los boletos impresos en relieve, pero incluía en la portada un tercer boleto o "sticker" externo de color rojo, el cual fue omitido en todas las ediciones posteriores. Hoy en día, es difícil encontrar una copia mexicana en buen estado de conservación que incluya el tercer sticker. El disco de vinilo quedó descatalogado en los años 90s y nunca ha sido publicado de forma oficial en CD, dando la oportunidad a los bucaneros para que se den vuelo lanzando copias piratas a la menor provocación y a precios exorbitantes, pero sin valor de reventa a los ojos del coleccionista experto. Es mejor tratar de conseguir el álbum de vinilo en tiendas de segunda mano donde suelen tener ejemplares en buena condición y a precio razonable. Un saludo afectuoso y gracias por escuchar canciones de Los Beatles en Radio Mezcalito.

Copyright © Andrés Lang

sábado, 9 de abril de 2016

The Doors, el álbum que desconcertó a la muchedumbre.

Estimable radioescucha: un 4 de enero pero de 1967, sin más preámbulo la banda The Doors inauguró el año de las obras maestras, lanzando a la venta uno de los álbumes debut más memorables en la historia del rock. Publicado por el sello Elektra (EKS-74007), la música del célebre fonograma fue resultado de una acertada mezcla entre rock, jazz, blues, música clásica y extravagante poesía. El órgano de aires eclesiásticos a cargo de Ray Manzarek, la distintiva guitarra de Robby Krieger y la machacante batería de John Densmore proporcionaron el marco musical idóneo para la seductoras y provocativas letras de Jim Morrison. En lugar de himnos para los que se ponían flores en el pelo, en el disco llamado simplemente The Doors, Jim y compañía animan al oyente a saltar muros sin temor a lo que pueda pasar, superando fronteras personales, por ejemplo en la pieza titulada Break On Through (To The Other Side). Inútil tratar de hallar en el fonograma temas de relleno, todas las melodías son cautivadoras, con una dramática tensión que impregna el ambiente de principio a fin. Desde la energética Take it As It Comes, prosiguiendo con la elegante Twentieth Century Fox, la psicodelia seductora de The Crystal Ship, hasta la enigmática receta implícita en Soul Kitchen recomendable para todos aquellos que anhelan "aprender a olvidar". Y por supuesto, la incendiaria Light My Fire, cuya letra es de Krieger, Ésta última destila una poderosa e inolvidable interacción musical entre la voz de Morrison, el órgano de Manzarek, la guitarra de Krieger y la batería de Densmore, impulsando el disco directo hacia la cima. Aunque Alabama Song / Whisky Bar no es composición de la banda, The Doors se encargaron de hacerla suya, con tal éxito que se convirtió en una favorita del Whiskey A Go Go. El persuasivo blues de Willie Dixon esta bien representado mediante la rola Back Door Man que por un tiempo formó parte del repertorio en vivo del grupo. Por otro lado, End Of The Night era un oscuro y desolador poema de Jim al que la banda le puso música para después grabarlo como cinta demo en 1965. Más tarde  la pieza fue rescatada y regrabada para el primer disco de larga duración del conjunto. The Doors finaliza con un oscuro y engañoso drama llamado The End, que al comienzo parece ser tan sólo una inofensiva canción de despedida, pero que sin previo aviso se transforma en un escabroso ritual sonoro hasta desemboca en un complejo conflicto edipico, exhibido sin el menor remordimiento y lanzado cual siniestro escupitajo a la cara de una sociedad mojigata. La grabación en consola de cuatro canales no estuvo exenta de problemas debido sobre todo al carácter temperamental e impredecible de Morrison que ya para entonces había dejado en claro que su prioridad era vivir más allá del límite. Durante el registro en cinta magnética de la épica The End, Morrison quien se hallaba tendido en el suelo del estudio viajando en ácido, murmurando unas frases de la canción, repentinamente se incorporó, tomó un aparato de televisión y lo estrelló contra el cristal de la cabina de control. Fue reprendido por el productor Paul A. Rothchild quien lo envió a casa como si fuera un escolar malcriado: Pero en la madrugada Jim regresó, se coló desnudo en el Sunset Sound Recorders y roció con un extinguidor el estudio de grabación, dañando la consola de 4 canales y ocasionando cuantiosos daños. Al final, Rothchild persuadió a Morrison de que se vistiera y regresara a casa. El productor se encargo de que el sello Elektra cubriera los daños. Más tarde, la banda logró grabar la pieza en dos tomas, redondeando así un álbum en esencia conformado por temas que el grupo solía interpretar en el legendario Whisky A Go Go de Los Angeles, California. Desafortunadamente, el conjunto a lo largo de su trayectoria musical no logró igualar la calidad de su álbum debut y Morrison se apresuró a cancelar su suscripción a la resurrección para unirse al exclusivo club de los 27. Escucha canciones de The Doors en Radio Mezcalito. Un saludo afectuoso.

Ficha técnica del disco The Doors
Portada del disco EKS-47007
Contraportada del disco EKS-47007
Título del disco: The Doors
Artista: The Doors
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 44 min 48 seg
Fecha de lanzamiento: 4 de Enero 1967
País: Estado Unidos
Productor: Paul A. Rothchild
Ingeniero de audio: Bruce Botnick
Sello disquero: Elektra Stereo (EKS-74007) / Mono (EKL-4007)
Género: Rock
Estilo: Rock Sicodélico
Posición en lista de éxitos: N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Break on through (To The Other Side) The Doors The Doors 2:29
2A Soul Kitchen The Doors The Doors 3:35
3A The Crystal Ship The Doors The Doors 2:34
4A Twentieth Century Fox The Doors The Doors 2:33
5A Alabama Song (Whisky Bar) Bertolt Brecht, Kurt Weill The Doors 3:20
6A Light My Fire The Doors The Doors 7:06
1B Back Door Man Willie Dixon, Chester Burnett The Doors 3:34
2B I Looked at You The Doors The Doors 2:22
3B End of the Night The Doors The Doors 2:52
4B Take It as It Comes The Doors The Doors 2:23
5B The End The Doors The Doors 11:41
Artistas participantes.
Jim Morrison – Voz principal
Robby Krieger – Guitarra y voz
Ray Manzarek – Teclados
John Densmore – Batería
Larry Knechtel – bajo eléctrico

Créditos del disco.
Estudio de grabación: Sunset Sound Recorders en Hollywood, California
Fecha de grabación: 24 al 31 de Agosto 1966
Diseño de portada: William S. Harvey
Fotografía de portada– Guy Webster.
Fotografía de contraportada - Joel Brodsky.

Datos curiosos e información adicional acerca del disco The Doors
El álbum fue publicado en Estados Unidos bajo el sello Elektra, tanto en versión monoaural (EKL-4007) como en formato estereofónico (EKS-47007). En la imagen se observa el aspecto que tiene la etiqueta central del disco en su primara edición estereofónica. La etiqueta o "galleta" es de color dorado con el símbolo de la disquera, una letra E estilizada, ocupando casi la mitad de espacio. Si usted está en busca de una copia de la primera edición estéreo tal y como apareció primero en Estados Unidos, este es el disco que debe buscar.

Por otra parte, la etiqueta central del disco en su formato monoaural también es de color dorado distinguiendose de la versión estereofónica únicamente por el número de catálogo. Como sucede en estos casos, si de casualidad se llega a encontrar con una copia de la edición original, no la deje escapar pero procure tener un buen capital, porque en buen estado de conservación el acetato se deja querer por una respetable suma.

Algunas personas acostumbradas a escuchar la mezcla estereofónica del álbum, al oír por vez primera la mezcla monofónica parecen notar que hay una ligera predominancia de la batería y guitarra sobre el sonido del órgano, además de un balance más equilibrado, pero por supuesto estas son sólo opiniones subjetivas. Mientras algunas personas notan diferencias, otras no distinguen cambios por lo que siguen dando preferencia a la mezcla estéreo. Por cierto, la versión monofónica fue descontinuada poco tiempo después de su lanzamiento en 1967 y no volvió a ver la luz del día sino hasta el año 2010, cuando Rhino Records publicó una versión remasterizada en vinilo de 180 gramos, como un acontecimiento especial para festejar el Record Store Day gringo. La mezcla mono nunca apareció oficialmente en disco compacto pero sí esta a la venta en formato MP3. En México, el disco fue publicado después de que la canción Light My Fire obtuvo un éxito rotundo. La primera edición mexicana lanzada por Elektra (número de catálogo 990501) es estereofónica y tiene una etiqueta central del disco de color crema, con el símbolo de la disquera en menor tamaño y los títulos de las canciones escritos en inglés y en español. En la funda exterior puede observarse una leyenda que dice en letras mayúsculas: "También para aparatos monoaurales". A comienzos de los años 70s la marca Gamma logró obtener los derechos de publicación del álbum en México, lanzando una edición con su particular y distintiva portada laminada. El álbum fue muy popular en México por lo que fue reeditado continuamente a lo largo de los años 70s y 80s del siglo XX.


Del álbum se desprendieron los siguientes sencillos de 45 rpm: Break on through (To The Other Side) / End Of The Night publicado por la marca Elektra (45611) en enero de 1967. Los ejecutivos de Elektra censuraron la letra de la canción porque consideraron que hacía alusión a las drogas. Decidieron que la palabra "She Gets High" fuera regrabada y en su lugar sólo se escuchara a Jim cantando "She Get". Aunque algunos escritores y periodistas afirman equivocadamente que Break on through fue el primer gran éxito de Las Puertas, en realidad la pieza pasó desapercibida en casi todo Estados Unidos, con excepción de Los Angeles en donde logró un éxito más bien modesto. En esa ciudad los miembros de la banda solían llamar una y otra vez a las estaciones de radio locales para que programaran la canción, pero luego de ser descubiertos los locutores les advirtieron: "Sabemos quienes son ustedes, si siguen saturando la línea telefónica no volveremos a tocar su canción". Irónicamente, esta pieza que en su momento pasó desapercibida, apenas arañando el número 126 de la lista Billboard, hoy en día es una de las más representativas de la banda.

Light My Fire / The Crystal Ship publicado bajo el sello Elektra (45615) en abril de 1967. Enciende mi fuego hoy en día es la canción emblemática del grupo, aclamada como uno de los himnos más memorables en la historia del rock grabado. Pero cuando salió a la venta en formato de 7 puilgadas, le tomó tiempo ser aceptada por el público. Tras el fracaso de Break on through (To The Other Side), la compañía disquera no se rindió y preparó el lanzamiento de un nuevo sencillo. Primero
Paul A. Rothchild intentó que la banda grabara una nueva versión de Light my fire más corta que la del LP, pero al parecer la musa inspiración los había abandonado temporalmente y ninguna toma agradó al productor. Desesperado, Rothchild mejor editó la pieza larga incluida en el álbum reduciendo la duración a 3 minutos para su apropiada difusión en radio. El disco a 45 revoluciones por minuto fue lanzado en abril y al principio corrió la misma suerte de su antecesor. Pero mientras la banda se encontraba de gira, lentamente el disco empezó a cobrar impulso, abriéndose paso con desesperante lentitud en las listas de éxito. Ya para junio estaba entre las 10 primeras del Billboard. coronándose en el número 1 la última semana de Julio de 1967. Empujado por el sencillo, el disco LP pareció volver a la vida y esta vez también se disparó a los primeros lugares con intención de llegar ser el número 1, pero no logró destronar a Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, la obra maestra del cuarteto de Liverpool.


Con el paso de los años fue evidente que los integrantes sobrevivientes de la banda resultaron mejores comerciantes que músicos, reeditando una y otra vez los discos de
Los Doors en formato de disco compacto. La primera edición de su álbum debut fue publicada en disco compacto en 1983 [Elektra 74007- 2 (242 012)]. El productor original de la banda ni se había enterado de que el disco ya había salido en ese formato y cuando en una tienda se encontró con un ejemplar, lo compró. Luego de escucharlo aborreció el sonido, concluyendo que había sido tomado de una cinta de quinta u octava generación lejos de la cinta maestra. Sonaba como un viejo cassette con distorsión y ruido de fondo. Decidido a cambiar la situación, en 1988 Paul A. Rothchild supervisó la publicación de una nueva edición en CD con resultados alentadores pero criticas divididas. Los seguidores de hueso colorado esperaban que para la edición en CD de 1988 fuera incluida la versión sin censura de Break on through pero se quedaron con las ganas y tuvieron que esperar 11 años más. Mientras tanto, otros opinaron que el sonido del disco publicado en 1988 estaba lejos de igualar al menos la calidez y fidelidad del audio en formato de vinilo. En 1999 salió a la venta una caja o "box set" de 6 CDs llamada "The Complete Studio Recordings" que contiene entre otros, el álbum debut de la banda nuevamente remasterizado y esta vez con la anhelada versión sin censura de Break on through. En el año 2006 fue lanzada una nueva caja llamada "Perception 2006 - 40th anniversary remixes" con un sonido y mezcla similar, sino es que igual a la edición de 1999. En el 2008, luego del regreso inesperado del formato de vinilo, fueron reeditados los 6 álbumes de estudio en acetato, presentados en una caja llamada "The Doors Vinyl Box Set". Tal vez no sepamos que depara el futuro, pero de lo que sí estamos seguros es de que en el camino encontraremos una nueva reedición de discos de The Doors. Deseamos que la información aquí publicada le sea de utilidad. Gracias por escuchar a The Doors en Radio Mezcalito. Saludos y hasta la próxima.

Copyright © Andrés Lang

viernes, 1 de abril de 2016

After-math, el disco que odiaron las feministas.

Estimable radioescucha escucha canciones de The Rolling Stones en Radio Mezcalito. A principios de 1966 Las Piedras Rodantes continuaba siendo considerada una banda inglesa que se limitaba a reciclar canciones de Rhythm & Blues. Mick Jagger y compañía ya habían mostrado su propia capacidad creativa al publicar canciones como "Satisfaction" y "19th Nervous Breakdown" obteniendo gran éxito de ventas, pero hacia falta una prueba contundente de que musicalmente podían llegar a ser tan competitivos como sus rivales de Liverpool. La evidencia emergió con la publicación del disco Aftermath en abril de 1966. El nuevo álbum, grabado en los estudios de la RCA en Hollywood luego de una polémica gira por tierras del Tío Sam, fue el primero del conjunto en donde todas las piezas fueron compuestas por el dúo Jagger-Richards. A pesar de haber sido grabado en tan sólo dos sesiones durante diciembre de 1965 y marzo de 1966, el fonograma resultante conformado por 14 temas resultó ser el trabajo más sólido del conjunto hasta ese momento. El álbum esta impregnado de una atmósfera musical cohesiva, unificada, enriquecida por el uso de instrumentos que anteriormente no estaban relacionados con el pop o el rock. En cuanto a las letras de las canciones, los temas abordados son provocadores, polémicos y en algunos casos exhiben una virulenta misoginia. La hostilidad hacia el sexo femenino se deja sentir en rolas como Under My Thumb, Stupid Girl y Out of Time, que con el tiempo otorgó a Los Stones la fama de "chicos malos del rock". Esa actitud agresiva hacia las mujeres era en parte un reflejo de las tormentosas y fallidas relaciones sentimentales sostenidas por Jagger. En Mother's Little Helper, Jagger y compañía describen la vida de una ama de casa que logra encarar los problemas y afanes de la vida cotidiana con la ayuda de medicamentos. La adicción a las drogas era tema delicado en el mundo del pop, y si la protagonista es una ama de casa, considerada como el corazón y núcleo de la familia, el asunto se convertía casi en tabú para la recatada sociedad inglesa. Tal vez por esa razón Mother's Little Helper no fue lanzada como disco sencillo en tierras de la Reina Isabel, pero se vendió como pan caliente en las libertinas tierras del Tío Sam.

El álbum contiene también tonadas de acaramelada belleza como Lady Jane, adornada con exquisitos sonidos de dulcimer, guitarra acústica y clavecín, dando como resultado un desenfadado coqueteo con el rock barroco que fue la envidia de grupos como The Left Bank o The Millenium. Las melodías agridulces también están presentes en los surcos del disco y ahí están como ejemplo What To Do y Take It Or Leave It. Además, huellas de música country y blues estadounidense son halladas con facilidad en la pieza High And Dry. El rhythm and blues, blues y rock and roll son ingredientes notorios en la música de It's No Easy, una canción poco valorada por los incondicionales de Keith Richards y compañía pero que en realidad es una de las mejores del disco. En dicha pieza el cantante llega a la conclusión de que es difícil sobrevivir por tu cuenta cuando tu mujer te ha abandonado a tu suerte, cual perro maloliente. Esos sentimientos ambivalentes y contradictorios acerca de la mujer, expresados a lo largo del disco parecen conducir al laberinto filosófico de que no puedas vivir con ellas, pero tampoco sin ellas. Flight 505 comienza con un solo de piano que entreteje notas bluseras, las cuales sorpresivamente se convierten en una reminiscencia de Satisfaction, dando entrada a la batería de Charlie Watts y al resto de la banda. Flight 505 no hace referencia a la avioneta en que Buddy Holly perdió la vida como muchos creen, sino al temor a volar. En It's No Easy, Doncha Bother Me, Out Of Time y en otras piezas del disco se escucha el sonido grave, zumbante, como de un avión bombardero en picada, que parece ser un bajo eléctrico al que Bill Wyman ha añadido un pedal de distorsión. Keith Richards se hizo cargo de las partes principales de guitarra en las sesiones de grabación pues Brian Jones parecía indispuesto durante periodos largos de tiempo, gracias al exceso en el consumo de extrañas sustancias químicas. A pesar de estar librando constantes batallas contra sus propios demonios internos, Jones tuvo el ánimo suficiente para realizar las aportaciones más importantes, incorporando al sonido del grupo instrumentos como la marimba en Under My Thumb y Out of Time; el sitar en Mother's Little Helper y Paint it, Black; y el dulcémele en Lady Jane así como en la infravalorada I'm Waiting. De esta manera Brian Jones dejó en claro que era el músico más brillante e imaginativo del grupo, pero también el más volátil, impredecible y menos confiable.


Al principio la banda quería que el álbum fuese titulado Could You Walk On The Water?, pero la disquera aborreció la idea. Los Rolling Stones también planearon que el disco tuviera funda desplegable de lujo y que incluyera un cuadernillo de 6 páginas con fotos de la banda, tomadas a todo color durante su más reciente gira por Estados Unidos, pero los miopes ejecutivos de Decca no quisieron ni oír hablar del tema. Algunas canciones grabadas durante las sesiones de diciembre del '65 y marzo del '66 quedaron fuera por falta de espacio, como Ride On Baby, y Sittin' On A Fence, siendo insertadas con calzador más tarde en discos recopilatorios como "Flowers" y en caras B de discos sencillos. Publicado por el sello Decca en Inglaterra, el álbum alcanzó con rapidez la posición número 1, aunque en Estados Unidos quedó atorado en el número 2, sin lograr desbancar a Rubber Soul de The Beatles. Las criticas hacia Aftermath no se hicieron esperar: algunas personas opinaron que el álbum era una abierta e inaceptable agresión hacia las mujeres, mientras que otras consideraron que los autores se limitaron a describir con exuberante nitidez los valores retorcidos dentro de una decadente sociedad machista. Es cierto que Jagger y Richards muestran inconsistencia en las letras a lo largo del disco y tuvieron que rellenar espacio descaradamente al incluir "Goin' Home", una canción recordada más por su duración de 11 minutos que por su contenido, pero también dieron prueba fidedigna de que estaban progresando y esa evolución musical a largo plazo les aseguró la supervivencia hasta nuestros días.
Ficha técnica del disco Aftermath
Portada del disco SKL 4786
Contraportada del disco SKL 4786
Título del disco: Aftermath
Artista: The Rolling Stones
Formato: Disco de larga duración 33 1/3 rpm
Duración del disco: 52 min 48 seg
Fecha de lanzamiento: Abril 1966
País: Gran Bretaña
Productor: Andrew Loog Oldham
Ingeniero de audio: Dave Hassinger
Sello disquero Gran Bretaña: Decca Stereo (SKL 4786) / Decca Mono (KL 4786)
Género: Rock
Estilo: Pop, Rhythm & Blues
Posición en lista de éxitos: N°1 en GB / N°2 en EUA
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Mothers Little Helper Jagger, Richards The Rolling Stones 2:40
2A Stupid Girl Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52
3A Lady Jane Jagger, Richard The Rolling Stones 3:06
4A Under My Thumb Jagger, Richards The Rolling Stones 3:20
5A Doncha Bother Me Jagger, Richards The Rolling Stones 2:25
6A Goin' Home Jagger, Richards The Rolling Stones 11:35
1B Flight 505 Jagger, Richards The Rolling Stones 3:25
2B High And Dry Jagger, Richards The Rolling Stones 2:52
3B Out Of Time Jagger, Richards The Rolling Stones 5:15
4B It's Not Easy Jagger, Richards The Rolling Stones 2:35
5B I Am Waiting Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10
6B Take It Or Leave It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:47
7B Think Jagger, Richards The Rolling Stones 3:10
8B What To Do It Jagger, Richards The Rolling Stones 2:30
Artistas participantes.
Mick Jagger – Voz principal
Keith Richards – Guitarra y voz
Brian Jones – Guitarra eléctrica, marimba, dulcimer, teclados
Bill Wyman – Bajo eléctrico y percusiones
Charlie Watts – Batería y percusiones
Ian Stewart – Piano
Jack Nitszche – Teclado y percusiones

Créditos del disco.
Estudio de grabación: RCA Studios en Hollywood, California
Fecha de grabación: Diciembre 1965 y Marzo 1966
Diseño de portada: Sandy Beach
Fotografía de portada– Guy Webster.
Fotografías de contraportada - Jerrold Schatzberg.

Datos curiosos e información adicional acerca del disco Aftermath
El álbum fue publicado en Inglaterra bajo el sello Decca durante abril de 1966, tanto en versión monoaural (KL.4786) como en formato estereofónico (SKL.4786). En la imagen se observa el aspecto que tiene la etiqueta central del disco en su primara edición estereofónica. La etiqueta o "galleta" es de color azul con el nombre de la disquera en letras plateadas pero no enmarcadas (non boxed logo). Si anda en busca de una copia de la primera edición estéreo tal y como apareció primero en Inglaterra, este es el disco que debe buscar.

Por otra parte, la etiqueta central del disco en su formato monoaural es de color rojo con el logo del sello disquero en grandes letras plateadas no enmarcadas (non boxed logo). Por supuesto, si de casualidad llega a ver estos discos en buen estado de conservación procure tener un buen crédito o capital, pues el acetato se deja querer por una módica aunque exorbitante y generosa suma.

En Estados Unidos el disco fue publicado por el sello London conteniendo una lista de canciones inferior a la versión inglesa, pues aunque fue agregada la clásica Paint It, Black, quedaron fuera 4 temas: Mother's Little Helper, What To Do, Take It Or Leave It y Out Of Time, desbaratando la atmósfera cohesiva que proporciona un carácter unificado al álbum. Las piezas descartadas luego fueron incluidas en otras compilaciones lanzadas para el mercado estadounidense. En México, Aftermath fue publicado por el sello London en complicidad con Peerless pero desafortunadamente se trata de una edición basada en la adulterada versión estadounidense, limitada a 11 canciones.

Del álbum se desprendieron algunos sencillos: Mother's Little Helper / Lady Jane publicado bajo el sello London en mayo de 1966.

Paint it Black / Long Long While publicado en Estados Unidos por London el 7 de mayo de 1966, y por el sello Decca en Gran Bretaña el 13 de mayo del mismo año.

El disco fue publicado en disco compacto en 1986 por el sello ABCKO de Allen Klein. El audio resultante era frágil, endeble por decir lo menos. Durante décadas los seguidores del grupo tuvieron que conformarse con esas ediciones piadosamente pobres en calidad auditiva. No fue sino hasta agosto del año 2002 cuando ABCKO despertó de un largo letargo y lanzó una serie de 22 títulos de Los Stones en el ambicioso formato Super Audio CD (SACD), mostrando que las cosas empezaban a mejorar. Ese año finalmente el disco Aftermath vio la luz en el formato de audio digital con un sonido decente. Aunque costosa, es mejor buscar la edición SADC editada en el 2002 si usted desea reemplazar su copia de vinilo. Deseamos que la información aquí publicada le sea de utilidad. Gracias por escuchar a The Rolling Stones en Radio Mezcalito. Saludos y hasta la próxima.

Copyright © Andrés Lang

domingo, 6 de septiembre de 2015

Escucha Walk Don't Run en Radio Mezcalito

Ficha técnica del disco Walk-Don't Run / Home
Cara A del disco Blue Horizon 101 (edición Junio 1960)
Cara A del disco Dolton 25 (edición Julio 1960)
Título del disco: Walk-Don't Run / Home
Artista: The Ventures
Formato: Disco de 45 rpm
Audio: Estereofónico
Duración del disco: 4 min. 18 seg
Fecha de lanzamiento: Junio 1960
País: Estados Unidos
Posición en listas: #2 en EUA
Sello disquero EUA: Blue Horizon 101 (primera edición Junio 1960)/ Dolton 25 (reedición Julio 1960)
Sello disquero GB: Top Rank JAR 417
Género: Rock
Estilo: Instrumental rock
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A Walk-Don't Run Johnny Smith The Ventures 2:00
1B Home Van Steeden - H. Clarkson - J. Clarkson The Ventures 2:18
Artistas participantes.
Don Wilson – Guitarra eléctrica Fender Stratocaster (1A, 1B)
Bob Bogle – Guitarra eléctrica Fender Jazzmaster (1A, 1B)
Nokie Edwards - Bajo eléctrico Fender Precision (1A, 1B)
Skip Moore - Batería (1A, 1B)

Créditos del disco.
Productor – The Ventures
Ingeniero de grabación - Joe Boles
Estudio de grabación - Boles studio, Seattle, Washington
Fecha de grabación - Mayo 1960

Reseña del disco.
Estimad@ radioescucha: escucha canciones de The Ventures en Radio Mezcalito. Cada disco cuenta una historia; el que hoy nos ocupa narra la historia de una de las piezas más celebradas en la historia del rock instrumental. Se trata de Walk - Don't Run y fue grabada por el grupo The Ventures en 1960. Desde el comienzo, Don Wilson (guitarra eléctrica) y Bob Bogle (guitarra y bajo eléctrico) representaron el corazón y alma del grupo. Se conocieron en Tacoma, Washington, formaron un dueto y comenzaron su carrera artística tocando éxitos de moda y piezas de música country. En aquel entonces se hacian llamar The Versatones. Aunque en general su repertorio estaba formado por temas instrumentales, de vez en cuando Don Wilson cantaba algunas canciones. Más tarde se unió a ellos Nokie Edwards encargándose primero del bajo eléctrico y luego de la guitarra requinto. Durante algún tiempo el grupo no tuvo baterista fijo. Los miembros del grupo efectuaban trabajos en el área de la construcción durante 10 horas al día y 4 noches a la semana tocaban en bares y clubes de la zona (de lunes a jueves), terminando la jornada a las 2 de la mañana. Aunque dormían poco y las desveladas eran continuas, el entusiasmo no menguo. El gusto por la música y el anhelo del triunfo eran poderosos alicientes que los mantenían de pie, atentos a cualquier oportunidad de éxito que se les presentara. En una ocasión se enteraron de que en Seattle habia un sello llamado Dolton Records (antes llamada Dolphin), el cual había logrado algunos éxitos de venta con grupos como The Fleetwoods; esa disquera también tenía firmado a The Frantics, un grupo local de música instrumental. The Ventures decidieron grabar una cinta de demostración y la enviaron a Bob Reisdorff  propietario de la disquera mencionada. El problema fue que la cinta era de mala calidad y al escucharla Reisdorff sin miramientos les dijo que no tenían gran futuro en el negocio de la música. Pero el grupo no se desmoralizó, pues confiaban en la calidad de su música. Invirtiendo sus precarios ahorros fundaron su propio sello disquero al que llamaron Blue Horizon Records. El primer disco sencillo que lanzaron ya bajo el nombre de The Ventures, para su propia disquera fue Cookies and Coke / The Real McCoy, ambos temas cantados, pero los cuales no tuvieron éxito de ventas. Sin desanimarse, en junio de 1960 lanzaron otro disco a 45 revoluciones por minuto; esta vez se trataba de dos temas instrumentales. La cara A era una pieza que habían escuchado en un disco de Chet Atkins llamado Hi Fi in Focus, publicado por la RCA Victor en octubre de 1957. En ese entonces la banda no sabía que la melodía era aun más antigua, siendo publicada por primera vez en 1954 por su autor Johnny Smith, para el sello Roya Roost en 1954. The Ventures hicieron una versión a su modo y la probaron en sus actuaciones en vivo. A la gente le gustaba tanto que si el grupo no la tocaba, el público se las pedía a gritos.  Se llamaba Walk-Don't Run y decidieron que sería la cara A de su siguiente sencillo, acompañada en la cara B por una oscura pieza titulada 'Home'.

La sesión de grabación fue financiada por la madre de Don Wilson. Bob Bogle y Don Wilson recuerdan como fue grabada la canción: "cuando empezamos a aprender a tocar guitarra, compramos algunos discos de guitarra para escucharlos. Uno de ellos se llamaba Hi-Fi in Focus, grabado por Chet Atkins. En él encontramos esa canción que originalmente había escrito un músico de jazz llamado Johnny Smith. Nosotros no habíamos escuchado la versión de Smith cuando grabamos la nuestra. De hecho la de nosotros suena muy distinta a la de Atkins porque él la tocaba con una técnica depurada de jazz que era inalcanzable para nosotros. Fuimos a grabarla en el único estudio profesional que en aquel entonces existía en Seattle. Estaba en el sótano de una casa, propiedad de Joe Boles, así que el estudio se llamaba Boles Studio y tenia un grabadora Ampex de sólo 2 canales. Grabamos guitarra rítmica y batería en una canal y bajo y requinto en el otro, Eso es todo lo que hay en el disco". A pesar de contar con sólo dos canales en su estudio, Boles ya se había encargado de grabar canciones de gran éxito como 'Come softly to me' y 'Mr. Blue' de The Fleetswoods. Boles conocia muchos trucos y efectos que usaba en su pequeño estudio para obtener la mejor sonoridad y lograr un registro de alta fidelidad; el grupo quedó tan encantado con su forma de trabajar que más tarde grabaron ahí sus dos primeros discos elepé. En aquel entonces el conjunto no tenia baterista fijo. Para aquella histórica sesión contrataron a Skip Moore, ofreciéndole dos alternativas: una era obtener un porcentaje de regalías por la venta del disco y otra era un pago inmediato en efectivo de 25 dólares. Moore eligió los 25 dólares y se arrepintió el resto de su vida.

Una vez finalizado, llevaron el disco sencillo a la estación de radio KJR que en aquel entonces era la emisora más grande de Seattle. Uno de los 'deejay' era amigo de la banda y les debía algunos favores cuando trabajo para emisoras de menor importancia, así que en compensación ayudó a promover el disco. Como no queriendo la cosa, el 'disc jockey' ponía el disco sin previo aviso, llenando así el espacio entre los programas de noticias. Pronto los radioescuchas comenzaron a llamar a la estación preguntando como se llamaba esa canción  y quién la interpretaba. La melodía poseía una energía y vitalidad distintiva que la diferenciaba de todo lo que estaba de moda en aquel entonces, por lo que se convirtió en una bocanada de aire fresco entre tanta balada melosa y rocanrol prefabricado que solía programar las emisora por aquel entonces. Bob Reisdorff, el dueño del sello Dolton también escuchó la canción en la estación KJR y le gustó tanto que no dudo en llamar a la emisora para conocer más datos acerca de la pieza musical, sin sospechar que había sido grabada por la misma banda a la que había rechazado meses antes. Reisdorff creía que el disco podía ser un éxito en Estados Unidos por lo que envió una copia del sencillo a Liberty Records, el sello distribuidor de Dolton. El director de Liberty no quedó tan impresionado y pensó que no valía la pena invertir en la distribución del disco a nivel nacional. Pero Reisdorff, sin reparar en gastos y con fe ciega en el disco, se comprometió a cubrir todas las perdidas monetarias en caso de que el disco fracasara. A regañadientes, en Liberty aceptaron el trato y Walk don Run fue promocionada en todo el país, ganando popularidad con notable rapidez hasta alcanzar su máxima posición en el número 2 de las listas de éxitos, quedándose ahí durante 3 semanas consecutivas. Tres canciones impidieron que Walk-Don't Run se coronara en la posición número 1: It's Now or Never interpretada por Elvis Presley; Itsy Bitsy Teenie Weenie Yellow Polka-Dot Bikini, a cargo de Brian Hylland; y The Twist interpretada por Chubby Checker.

Tras el éxito masivo alcanzado en 1960 con Walk-Don't Run, todo el mundo quiso escuchar al grupo en vivo, por lo que la agenda de la banda pronto se vio saturada. Una de sus primeras apariciones en la televisión tuvo lugar el 27 de agosto de 1960, en el programa 'Saturday Night Beechnut Show' conducido por Dick Clark. Su presencia fue constante a partir de entonces en la radio y en la televisión de aquella época. Los tipos de Dolton también apresuraron al grupo para que grabaran su primer disco de larga duración, el cual fue titulado simplemente Walk-Don't Run. El álbum estuvo conformado por una combinación de 'covers' y canciones compuestas por The Ventures. Para las actuaciones en vivo y para la inminente grabación del primer disco elepé, fue reclutado el baterista Howie Johnson, quien tiempo mas tarde sufrió un accidente automovilístico y tuvo que ser reemplazado por Mel Taylor. Despegó así la carrera musical de una de las bandas más exitosas en el terreno de la música instrumental, anotando a su cuenta 17 piezas en el top 40 de las listas Billboard. Varios años más tarde, cuando la década de los 60s parecía ya solo un recuerdo lejano, Don Wilson estaba en casa mirando el programa de TV America's Top Ten, conducido por Casey Kasem. Durante la transmisión el conductor preguntó al público: ¿Quien fue el primer artista en colocar la misma canción pero en diferentes versiones, entre los diez primeros lugares de éxito?. Kasem se fue a comerciales pero Wilson se quedó pensando, tratando de adivinar quién había logrado tal hazaña. Por más que se esforzaba no lograba dar con la respuesta. Regresó de comerciales el conductor y dio la respuesta: Fue el grupo The Ventures con Walk-Don't Run en 1960 y Walk-Don't Run '64 en 1964. Curiosamente, Don Wilson lo había olvidado con el paso del tiempo, pero en realidad ellos lo habían logrado primero. De hecho, a lo largo de su historia. el grupo plasmo en cinta magnética varias versiones de Walk-Don't Run, por ejemplo en 1964, 1968, 1977, 1986, y en el año 2000. A pesar una carrera llena de altibajos y cambios en la moda y corrientes musicales, The Ventures ha logrado mantenerse de pie como una de las bandas más longevas en la historia del rock y tras larga espera, fueron inducidos al salón de la fama del rock and roll en el año 2008. Escucha 'Camina, no corras"; oldies y rock clásico en Radio Mezcalito. ¡Nos leemos en la próxima!

sábado, 29 de agosto de 2015

Escucha The House Of The Rising Sun en Radio Mezcalito

Ficha técnica del disco The House of the Rising Sun / Talking 'bout You
Funda original del disco Columbia DB7301 (GB)
Funda original del disco MGM 13264 (EUA)
Título del disco: The House of the Rising Sun / Talking 'bout You
Artista: The Animals
Formato: Disco de 45 rpm
Audio: Monofónico
Duración del disco: 6 min. 16 seg
Fecha de lanzamiento: 19 de junio 1964
País: Gran Bretaña
Posición en listas: #1 en GB / #1 en EUA
Sello disquero GB: Columbia Gramphophone DB7301
Sello disquero EUA: MGM 13264
Género: Rock
Estilo: Folk-rock, Rhythm & Blues
Canciones del disco
# Título de la canción Autor Intérprete Duración
1A The House of the Rising Sun Arr. Alan Price The Animals 4:29
1B Talking 'bout You Ray Charles The Animals 1:53
Artistas participantes.
Eric Burdon – Voz (1A, 1B)
Alan Price – Órgano Vox Continental (1A, 1B)
Hilton Valentine - Guitarra eléctrica (1A, 1B)
Chas Chandler - Bajo eléctrico (1A, 1B)
John Steel - Batería (1A, 1B)

Créditos del disco.
Productor – Mickie Most
Ingeniero de grabación - Dave Siddle
Estudio de grabación - De Lane Lea Studios, Kingsway, Londres
Fecha de grabación - 18 de mayo 1964

Reseña del disco.
Estimada(o) radioescucha: escucha canciones de Eric Burdon y The Animals en Radio Mezcalito. The House of the Rising Sun es el más grande éxito del grupo inglés The Animals y una de las canciones más distinguidas y brillantes en la historia del rock. La canción impregnada de Rhythm & Blues y publicada en Julio de 1964, rompió con la buena racha que The Beatles y el azucarado 'merseysound' habían impuesto en Gran Bretaña y el resto del mundo, señalando el camino que de ahí en adelante tomaría la música de rock. Se trata de una antigua pieza folclórica cuyo origen se pierde en la oscuridad de los tiempos. Algunas fuentes señalan que fue compuesta a mediados del siglo XIX, pero hay quienes afirman que en realidad es una canción más antigua. Para los británicos esta canción proviene del folclor inglés y esta inspirada en un viejo burdel llamado "The Town Of The Rising Sun" que alguna vez existió en la ciudad de Lowestoft, dentro del condado de Suffolk. De hecho existe una versión interpretada por el cantante de folk Harry Cox, que dice "Si vas a Lowestoft y preguntas por 'El Sol Naciente´, ahí encontrarás a dos viejas prostitutas, una de ellas era mi mujer". En opinión de algunos investigadores, el tema fue inspirado por un destartalado burdel de Nueva Orleans que era conocido como "La Casa del Sol Naciente". Cuenta la leyenda que en el lugar no solo se daba rienda suelta a las más bajas pasiones, sino que también solían realizarse ceremonias espirituales y rituales vudú. El sitio era administrado por una ciudadana francesa de nombre "Madame Marianne LeSoleil Levant" (LeSoleil Levant significa en francés "Sol Naciente"). El prostíbulo fue inaugurado en 1862 y cerró sus puertas en 1874 ante las protestas de los vecinos quienes se quejaban de los constantes pleitos y continuos desmanes en el lugar. Otra teoría indica que la tonada esta inspirada en una cárcel de mujeres en Nueva Orleans, en cuya fachada estaba dibujado un paisaje rematado por un singular sol naciente. A principios del siglo XX los mineros estadunidenses de las montañas Ozarks solían cantar versiones sucias de la canción, en cuya letra se hacia referencia a la sifilis y entraban en otros ignominiosos detalles. Ya sea que haya tenido su origen en el antiguo folclor inglés o en los Estados Unidos, la tonada sin duda se propagó e hizo popular dentro del folclor afroamericano.

A partir de los años 30s del siglo XX fue grabada por una extensa gama de artistas, comenzando por Tom Clarence Ashley y Gwen Foster quienes la plasmaron en acetato a 78 revoluciones por minuto bajo el nombre de "The Rising Sun Blues". El dueto la interpretó desde una perspectiva masculina, aunque en realidad la pieza fue concebida para ser cantada por una mujer. Poco tiempo después otros intérpretes como Homer Callahan, Georgia Turner, Alan Lomax, Texas Alexander, Lead belly, Woody Guthrie, Cisco Houston grabaron sus propias versiones. El músico Josh White la grabó como solista pero su versión fue vetada por la BBC de Londres. Más tarde volvió a grabarla, esta vez acompañando en la guitarra a la cantante Libby Holman. El dueto causo controversia y rechazo en algunos círculos sociales durante los años 40s del siglo XX porque él era de piel oscura y ella de piel blanca  La versión de 1942 interpretada por Libby Holman, tenebrosa y desoladora, fue grabada en 1942 para el sello Decca, La artista estaba plenamente calificada para cantar una tragedia como la del "Sol Naciente", pues su vida estuvo llena de incidentes amargos. Su primer marido murió asesinado, su amante perdió la vida en un accidente aéreo, su segundo marido se suicidó y su hijo murió al estar escalando la montaña Whitney en California. Ella misma terminó quitándose la vida a bordo de su automóvil Roll Royce  en 1971. La lista de artistas que plasmaron en disco la canción es extensa: desde Glenn Yarbrough, Lonnie Donegan, Charlie Byrd, Nina Simone, Dave Van Ronk hasta Carolyn Hester. En 1962 The Sundowners fue la primera banda británica en grabar la canción pero el esfuerzo fue en vano porque teminó prohibida por la siempre quisquillosa BBC. Bob Dylan también grabó su propia versión en 1962, pero el honor de grabar la contundente y definitiva correspondió sin duda a The Animals.

La banda inglesa proveniente de Newcastle, se había mudado a Londres en enero de 1964 dispuesta a probar suerte con su música, fuertemente influenciada por el blues y el rhythm & blues estadounidense. Lanzaron un primer disco sencillo titulado "Baby let me take you home", obteniendo un éxito modesto en las listas inglesas, alcanzando su máxima posición en el número 21. Mientras estaban de gira con Chuck Berry en Inglaterra, tratando de averiguar la forma de competir en el escenario con aquel monstruo sagrado del rocanrol sin ser borrados del mapa, probaron algunas rolas rescatadas del antiguo folclor, como The House of the Rising Sun . No esta claro si la banda se inspiró en una versión grabada por Lonnie Donegan, Bob Dylan o Nina Simone pues con el paso del tiempo los miembros de grupo han dado diferentes respuestas, cambiando de opinión una y otra vez. Lo cierto es que tras interpretarla en vivo, la canción fue recibida con entusiasmo por los jóvenes ingleses así que en un descanso entre giras decidieron grabarla. Tras una actuación en Liverpool tomaron el siguiente tren a Londres, donde el productor Mickie Most habia agendado una sesión. La grabación fue llevada a cabo en los estudios De Lane Lea, el día 18 de mayo de 1964, El tema fue plasmado en cinta magnética con sonido monoaural, sin doblajes y en una sola toma. La tonada tenía los ingredientes necesarios para convertirse en un éxito de ventas: desde el arranque con ese soberbio arpegio de guitarra eléctrica a cargo de Hilton Valentine que hace erizar la piel; la voz profunda, experimentada y cavernosa de Burdon, y el órgano lúgubre de aires eclesiásticos, ejecutado con maestría por Alan Price, redondeaban una atmósfera sórdida y sombría, a la medida de la tragedia contada a lo largo de la canción.

Cuando el productor Mickie Most escuchó el resultado exclamo: "¡Eso es, tenemos un gran disco sencillo aquí!".El ingeniero de audio hizo notar que la pieza era demasiado larga para un disco sencillo pues duraba mas de 4 minutos, pero Most no se desanimó y respondió de inmediato: "Esta es la era del microsurco ¿no? Pues con esa duración la vamos a lanzar".  Como cara B del disco fue elegida una pieza llamada Talkin 'bout you, que tiempo atrás había popularizado Ray Charles, uno de los cantautores favoritos de Eric Burdon. El disco sencillo a 45 revoluciones por minuto fue lanzado a mitad de junio de 1964 en Inglaterra, coronándose en la máxima posición el 3 de julio, tan sólo tres semanas después de su lanzamiento. Aunque fue difícil convencer a los tipos de la BBC, al final éstos cedieron y transmitieron el disco a pesar de su duración. Aun cuando en Estados Unidos los miopes ejecutivos del sello disquero MGM decidieron editar la grabación, reduciendo su duración a 2 minutos con 58 segundos, también ahí conquistó la cima luego de ser publicada en agosto de 1964. Cuando el tema despojó del número 1 al cuarteto de Liverpool en Estados Unidos, ellos enviaron un telegrama a The Animals felicitándolos por la hazaña lograda. Mickie Most declaró mas tarde: "era el momento adecuado para grabarla, planetas y estrellas estaban en la posición correcta y el viento soplaba a nuestro favor. Nos tomó sólo 15 minutos grabarla asi que no puedo reclamar para mi un gran mérito en la producción del disco. Fue sólo cuestión de capturar la atmósfera que reinaba en el estudio ese día". Fue la primera vez que una canción del antiguo folclor con tratamiento de rock lograba triunfar en las listas de éxito, inaugurando así lo que algunos críticos y melómanos han denominado como la era del folk-rock. Más tarde, cuando Dylan escuchó la versión "eléctrica" de The Animals se disgustó, pero después cambió de opinión y él también terminó tomando el camino del folk eléctrico.

La Casa del Sol Naciente abrió las puertas del mercado estadounidense a The Animals, quienes a partir de entonces se adjudicaron varias canciones más a su cuenta de éxitos, aunque sin lograr al menos igualar la popularidad de The House of the Rising Sun . A pesar de las exhaustivas giras por tierras del Tío Sam y por Europa, la canción también resultó motivo de discordias posteriores. Alan Price se adjudicó para él sólo el arreglo musical de la canción y en consecuencia fue el único en recibir generosas regalías. Los demás miembros de la banda encabezados por Burdon empezaron a sentirse disgustados porque el dinero sólo lo recibía uno aunque el mérito había sido logrado en equipo. La unión del grupo comenzó a fracturarse a partir de entonces. Para mayo de 1965 la tensión era ya insoportable y Alan Price decidió cortar por lo sano. El desmoronamiento final llegó en 1966 cuando el grupo se desligó de Mickie Most y luego se desmembró por completo. Tal vez si entre los integrantes de la banda hubiera surgido algún talentoso compositor capaz de generar material de calidad para el conjunto, en lugar de depender de compositores externos, otro gallo les hubiera cantado. Poco después, Burdon decidió armar una nueva banda con otros elementos, haciéndose llamar Eric Burdon & The Animals, pero esa es otra historia. El éxito de The House of the Rising Sun también fue una poderosa muestra de la nueva dirección que la música de rock iba a tomar, anunciando una dura sentencia de muerte para el edulcorado y efímero 'merseybeat', así como para las bandas que habían crecido cobijadas bajo el amparo de The Beatles. Escucha oldies y rock de los sesentas en Radio Mezcalito. Un saludo afectuoso y nos leemos en la próxima.